Es fühlt sich an, als würde man eindringen. Der Besuch der großen Tracey-Emin-Retrospektive in der Tate Modern ist, als träte man unvermittelt auf sie zu, während sie weint, nackt, schluchzend und zerzaust ist – als wäre man auf etwas schmerzhaft Privates gestoßen.
Das ist in den weiten Hallen unserer führenden Institution für zeitgenössische Kunst keine leichte Aufgabe, aber genau das macht Tracey – es fühlt sich nicht richtig an, sie „Emin“ zu nennen, sie zieht einen so nah heran, als kenne man sie, es ist einfach Tracey, nicht wahr? – zu einer so besonderen, wichtigen, epocheprägenden Künstlerin.
Sie ist eine Ikone, die berühmteste Künstlerin Großbritanniens. Sie prägte eine Generation, schockierte eine Nation und veränderte, was Kunst sein kann. Seit den frühen 1990er Jahren schafft sie Kunst, die so roh, so instinktiv, so emotional ehrlich ist, dass sie einen zwingt, das zu fühlen, was sie fühlt.
Tracey steht für den Höhepunkt der 90er – für Sex, Drogen und Alkohol, Erfolge und Exzesse – aber diese Ausstellung handelt nicht davon. Sie handelt davon, wie sie ihr Leben ausgebreitet, sich entblößt hat und uns alle dabei zwingt, uns mit unseren eigenen Gefühlen auseinanderzusetzen.
Dies ist keine große, kalte, weißwandige Feier ihres Werks; es ist viel intimer, düsterer und beklemmender. In dem brutalen, erschütternden Film **Why I Never Became a Dancer** von 1995 erzählt Tracey, wie sie mit 13 von der Schule ging, erniedrigenden, missbräuchlichen Sex mit älteren Männern hatte und durch Margate lief, während Jungen „Schlampe“ hinter ihr herriefen. Doch am Ende verwandelt sie all diesen Schmerz in etwas Freudvolles. „Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, das hier ist für euch“, sagt sie und tanzt zu Sylvesters Disco-Hymne **(You Make Me Feel) Mighty Real**. Das ist unsere Trace – sie lebt, sie fühlt, sie liebt, sie leidet, und dann verwandelt sie alles in Kunst.
Es ist eine einfache Gleichung, die sich in ihrer Karriere immer wieder auf unterschiedliche Weise wiederholt. Sie verwandelt grausame Sticheleien in Quilts, Herzschmerz in Gemälde und Schmährufe gegen ihre Mutter – weil sie einen türkisch-zypriotischen Mann heiratete – in Poesie.
Eine Abtreibung, die die Künstlerin Anfang der 1990er Jahre hatte, wirft einen großen Schatten. In einem Film spricht sie über das Elend, das sie durchlitt, und die Art, wie die Menschen danach mit ihr umgingen. Im nächsten Raum steht ein Regal mit ihrem Krankenhausarmband und einer kleinen Flasche des schmerzlindernden Mittels Mefenaminsäure neben einer Vitrine mit Kinderschuhen. Es ist fast zu viel, zu qualvoll.
Doch die Abtreibung war ihr „emotionaler Selbstmord“, ein einschneidender Moment, der alles veränderte. Sie zerstörte alle ihre Kunsthochschul-Gemälde, schloss sich für dreieinhalb Wochen in ein Atelier ein und fing von vorne an. Dieses Atelier ist hier nachgebaut, übersät mit gekritzelten Bildern, leeren Dosen europäischen Lagerbiers und schmutziger Wäsche.
**My Bed** ist auch hier – wie könnte es anders sein? Aber für etwas so Ikonenhaftes fühlt es sich nicht monumental oder grandios an, nicht wie ein Werk, das die populäre Kunstdebatte seit Jahrzehnten dominiert. Es fühlt sich einfach an, als würde man eingelassen, als bekäme man Zugang zu einem weiteren privaten Moment des Schmerzes. Es war nie dazu gedacht, Schlagzeilen zu machen oder die Welt zu verändern; es war einfach die Wahrheit – die Realität eines Menschen, der sein Leben lebt.
Dieses Leben zu leben ist in letzter Zeit schwieriger geworden. Vor nicht allzu langer Zeit wurde bei ihr Blasenkrebs diagnostiziert, und ein dunkler Korridor hier ist gefüllt mit Fotos ihrer blutenden Stoma. Es gibt bei Tracey keine Grenzen; man bekommt sie ganz, egal was kommt. Ihre Genesung von Krebs markiert das zweite Leben im Titel der Ausstellung, eine Wiedergeburt.
Die Quilts, Filme und Installationen sind die berühmtesten Werke hier, aber die Ausstellung ist auch voller Gemälde. Rauhe, chaotische Selbstporträts in Schwarz, Rot und Grau – Traceys Körper ist ausgebreitet und blutend, gebrochen im Bett liegend oder zerbrechlich und geisterhaft am Rande des Zusammenbruchs stehend. Viele sind übersät mit tagebuchartigen Halbgedichten... Es sind nicht alles großartige Gemälde, aber sie wirken in all ihrer unordentlichen, stürmischen Rohheit.
Was wirklich nicht großartig ist, sind ihre skulpturalen Arbeiten. Jede Bronze sieht aus wie ein schlecht gemachter Metallklumpen, der im Raum verteilt steht. Und ich könnte glücklich den Rest meines Lebens verbringen, ohne je wieder eines ihrer Neonzeichen zu sehen, die alle aussehen, als gehörten sie in die Lobbys der schlimmsten Hotels der Welt.
Aber selbst wenn sie schlecht ist, ist sie wenigstens echt und aufrichtig. Teile dieser Ausstellung haben mich zerrüttet. Das Gemälde, auf dem sie die Asche ihrer Mutter trägt, hat mich völlig gebrochen und ließ mich meine eigene Mutter vermissen, die kurz vor der Pandemie starb. Ich war ein tränenüberströmtes Wrack; es war überwältigend. Es muss erschöpfend sein, Tracey zu sein. Ich könnte nicht die ganze Zeit so intensiv fühlen – ich muss funktionieren, E-Mails schreiben und zu Tesco gehen.
Kommen Sie nicht hierher, um eine gute Zeit zu haben – die werden Sie nicht finden. Aber kommen Sie, um pure, unverfälschte, unverblümte Liebe, Trauer, Herzschmerz und Traurigkeit zu suchen, und Sie werden am Ende mehr fühlen, als Sie wahrscheinlich seit Jahren gefühlt haben.
Häufig gestellte Fragen
Natürlich. Hier ist eine Liste von FAQs zu der Rezension mit dem Titel „Tracey Emin: A Second Life – Diese rohe Ausstellung über Liebe, Herzschmerz und Schmerz ließ mich in Tränen ausbrechen“, die verschiedene Perspektiven abdecken soll.
Allgemeine / Einsteigerfragen
F: Wer ist Tracey Emin?
A: Tracey Emin ist eine berühmte britische zeitgenössische Künstlerin, Teil der Gruppe der Young British Artists. Sie ist bekannt für ihre zutiefst persönlichen und beichtartigen Werke, die Themen wie Liebe, Sex, Trauma und Erinnerung mit Medien wie Neontext, Stickerei, Zeichnung und Skulptur erkunden.
F: Worum geht es in der Ausstellung „A Second Life“?
A: Es ist eine große Ausstellung, die Emins Werke aus dem letzten Jahrzehnt zeigt, entstanden nach ihrer Genesung von einer großen Krebsoperation. Der Titel bezieht sich auf ihren erneuerten Fokus auf Leben, Liebe und künstlerische Energie, obwohl die Werke weiterhin mit ihren vergangenen Schmerzen und ihrem Herzschmerz ringen.
F: Warum sagte der Rezensent, er sei in Tränen ausgebrochen?
A: Der Rezensent war emotional überwältigt von der rohen Ehrlichkeit und Verletzlichkeit in Emins Werk. Die Kunst vermittelt intensive Gefühle von Liebe, Verlust und körperlichem Schmerz auf eine Weise, die dem Betrachter sehr unmittelbar und persönlich vorkommen kann.
F: Ist die Ausstellung für jemanden geeignet, der nicht viel über Kunst weiß?
A: Ja, absolut. Emins Werk ist oft textbasiert und behandelt universelle menschliche Emotionen. Man benötigt keinen Abschluss in Kunstgeschichte, um sich mit Gefühlen von Herzschmerz, Sehnsucht oder Freude zu verbinden. Die Rezension legt nahe, dass ihre Kraft in der direkten emotionalen Wirkung liegt.
F: Welche Art von Kunst werde ich dort sehen?
A: Sie können großformatige Bronzeskulpturen, intime bestickte Decken, rohe figurative Gemälde und ihre ikonischen Neonzeichen mit handgeschriebenen Phrasen über Liebe und Verlangen erwarten. Die Materialien und Formate variieren stark.
Fortgeschrittene / Kontextuelle Fragen
F: Die Rezension bezeichnet sie als „roh“. Was bedeutet das im Kontext von Emins Werk?
A: „Rohe“ bezieht sich auf die ungeschliffene, ungefilterte und zutiefst persönliche Natur ihrer Kunst. Sie verbirgt ihre emotionalen oder körperlichen Narben nicht, sondern präsentiert sie direkt durch hektische Zeichenlinien, beichtartigen Text und Themen, die sich privat und entblößt anfühlen.
F: Wie unterscheidet sich diese Ausstellung von ihren früheren, kontroverseren Werken?
