Czujesz się jak intruz. Wejście do ogromnej retrospektywy Tracey Emin w Tate Modern jest jak przyłapanie jej na płaczu, nagiej, łkającej i roztrzepanej, jakbyś wdepnął w coś boleśnie prywatnego.
To niełatwe do osiągnięcia w kawernach naszej czołowej instytucji sztuki współczesnej, ale to właśnie sprawia, że Tracey – nie wypada nazywać jej Emin, przyciąga cię tak blisko, że czujesz, jakbyś ją znał, to Tracey, prawda? – jest tak wyjątkową, ważną, definiującą epokę artystką.
Jest ikoną, najbardziej znaną artystką w Wielkiej Brytanii. Ukształtowała pokolenie, zszokowała naród i zmieniła to, czym może być sztuka. Od wczesnych lat 90. tworzy sztukę tak surową, tak trzewiową, tak emocjonalnie szczerą, że zmusza cię do odczuwania tego, co ona czuje.
Tracey symbolizuje szczyt lat 90. – ich seks, narkotyki i alkohol, sukcesy i ekscesy – ale ta wystawa nie jest o tym. Jest o tym, jak wystawiła swoje życie na widok publiczny, obnażyła się i zmusiła nas wszystkich do zmierzenia się z własnymi emocjami w tym procesie.
To nie jest wielkie, chłodne, białe celebrowanie jej dzieł; jest o wiele bardziej intymne, mroczne i klaustrofobiczne. W brutalnym, wstrząsającym filmie z 1995 roku **Dlaczego nigdy nie zostałam tancerką** Tracey opowiada o opuszczeniu szkoły w wieku 13 lat, upokarzającym, poniżającym seksie ze starszymi mężczyznami i chodzeniu po Margate, podczas gdy chłopcy wykrzykiwali za nią "dziwka". Ale pod koniec zamienia cały ten ból w coś radosnego. "Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, to dla was" – mówi i tańczy do dyskotekowego hymnu Sylvestera **(You Make Me Feel) Mighty Real**. Taka jest nasza Trace – żyje, czuje, kocha, cierpi, a potem zamienia to wszystko w sztukę.
To proste równanie, powtarzane w jej karierze wciąż na nowo, na różne sposoby. Zamienia okrutne docinki w patchworkowe kołdry, złamane serce w obrazy, a obelgi krzyczane pod adresem jej matki – ponieważ wyszła za mąż za Turkocypryjczyka – w poezję.
Aborcja, którą artystka przeszła na początku lat 90., rzuca ogromny cień. W jednym z filmów opowiada o cierpieniu, które zniosła, i o tym, jak ludzie traktowali ją potem. W następnym pomieszczeniu stoi półka z jej szpitalną opaską identyfikacyjną i małą buteleczką przeciwbólowego kwasu mefenamowego obok ekspozycji dziecięcych bucików. To prawie za dużo, zbyt bolesne.
A jednak aborcja była jej "emocjonalnym samobójstwem", wstrząsającym momentem, który wszystko zmienił. Zniszczyła wszystkie swoje obrazy z czasów szkoły artystycznej, zamknęła się w pracowni na trzy i pół tygodnia i zaczęła od zera. Ta pracownia została tu odtworzona, pokryta bazgranymi obrazami, pustymi puszkami europejskiego lagera i brudną bielizną.
Jest tu też **Moje łóżko** – jak mogłoby go nie być? Ale jak na coś tak ikonicznego, nie wydaje się monumentalne ani grandiozne, ani jak dzieło, które zdominowało popularny dyskurs o sztuce przez dziesięciolecia. Po prostu czuje się, jakby cię wpuszczono, jakby dano ci dostęp do kolejnego prywatnego momentu bólu. Nigdy nie miało robić nagłówków ani zmieniać świata; to była po prostu prawda – rzeczywistość kogoś, kto żyje swoim życiem.
Życie tym życiem ostatnio stało się trudniejsze. Niedawno zdiagnozowano u niej raka pęcherza, a ciemny korytarz wypełniają tu zdjęcia jej krwawiącej stomii. Z Tracey nie ma żadnych granic; dostajesz ją całą, bez względu na wszystko. Jej powrót do zdrowia po raku wyznacza "drugie życie" z tytułu wystawy, odrodzenie.
Patchworkowe kołdry, filmy i instalacje to najbardziej znane prace tutaj, ale wystawa jest też pełna obrazów. Szorstkie, chaotyczne autoportrety w czerni, czerwieni i szarości – ciało Tracey jest rozpostarte i krwawi, leży złamane w łóżku lub stoi kruche i upiorne na granicy załamania. Wiele z nich pokrytych jest pamiętnikarską pół-poezją... Nie wszystkie to świetne obrazy, ale poruszają swoją nieuporządkowaną, burzliwą surowością.
To, co naprawdę nie jest świetne, to jej prace rzeźbiarskie. Każdy brąz wygląda jak źle wykonany metaliczny kloc porozstawiany po galerii. I mógłbym spokojnie przeżyć resztę życia, nie widząc już nigdy żadnego z jej neonów, z których wszystkie wyglądają, jakby należały do lobby najgorszych hoteli na Ziemi.
Ale nawet gdy jest słaba, przynajmniej jest prawdziwa i szczera. Fragmenty tej wystawy rozbiły mnie na kawałki. Obraz, na którym niesie prochy swojej mamy, kompletnie mnie złamał i sprawił, że zatęskniłem za swoją własną mamą, która zmarła tuż przed pandemią. Byłem roztrzęsiony i zapłakany; to było przytłaczające. Bycie Tracey musi być wyczerpujące. Nie mógłbym czuć tak intensywnie cały czas – muszę funkcjonować, wysyłać maile i chodzić do Tesco.
Nie przychodź tu szukać dobrej zabawy – nie znajdziesz jej. Ale jeśli przyjdziesz szukać czystej, bezpardonowej, nierozcieńczonej, frontalnej miłości, żalu, bólu serca i smutku, skończysz czując więcej, niż prawdopodobnie czułeś od lat.
Często zadawane pytania
Oczywiście Oto lista najczęściej zadawanych pytań dotyczących recenzji zatytułowanej "Tracey Emin. Drugie życie" – ta surowa wystawa o miłości, bólu serca i cierpieniu zostawiła mnie we łzach, zaprojektowana tak, aby uwzględnić różne perspektywy.
Ogólne / pytania dla początkujących
P: Kim jest Tracey Emin?
O: Tracey Emin to słynna brytyjska artystka współczesna, część grupy Młodych Brytyjskich Artystów (YBA). Znana jest ze swoich głęboko osobistych i konfesyjnych prac, które badają tematy takie jak miłość, seks, trauma i pamięć, przy użyciu mediów takich jak neony, tekst, haft, rysunek i rzeźba.
P: O czym jest wystawa "Drugie życie"?
O: To duża wystawa prezentująca prace Emin z ostatniej dekady, stworzone po jej powrocie do zdrowia po poważnej operacji z powodu raka. Tytuł odnosi się do jej odnowionego skupienia na życiu, miłości i energii artystycznej, choć prace wciąż mierzą się z jej przeszłym bólem i cierpieniem.
P: Dlaczego recenzent powiedział, że został we łzach?
O: Recenzent został emocjonalnie przytłoczony przez surową szczerość i wrażliwość w pracach Emin. Sztuka ta bezpośrednio komunikuje intensywne uczucia miłości, straty i fizycznego bólu w sposób, który może wydawać się bardzo bezpośredni i osobisty dla widza.
P: Czy wystawa jest odpowiednia dla kogoś, kto nie wie dużo o sztuce?
O: Tak, absolutnie. Prace Emin często opierają się na tekście i dotyczą uniwersalnych ludzkich emocji. Nie potrzebujesz dyplomu z historii sztuki, aby połączyć się z uczuciami złamanego serca, tęsknoty czy radości. Recenzja sugeruje, że jej siła tkwi w bezpośrednim wpływie emocjonalnym.
P: Jaką sztukę tam zobaczę?
O: Możesz spodziewać się wielkoformatowych brązowych rzeźb, intymnych haftowanych koców, surowych obrazów figuratywnych i jej ikonicznych neonów z odręcznymi frazami o miłości i pożądaniu. Materiały i skala są bardzo zróżnicowane.
Zaawansowane / pytania kontekstowe
P: Recenzja nazywa ją "surową". Co to oznacza w kontekście prac Emin?
O: "Surowa" odnosi się do niepolerowanej, niefiltrowanej i głęboko osobistej natury jej sztuki. Nie ukrywa ona swoich emocjonalnych ani fizycznych blizn, przedstawia je bezpośrednio poprzez gorączkowe linie rysunkowe, konfesyjny tekst i tematy, które wydają się prywatne i odsłonięte.
P: Czym ta wystawa różni się od jej wcześniejszych, bardziej kontrowersyjnych prac?
O:
