On a l'impression de commettre une intrusion. Pénétrer dans la vaste rétrospective Tracey Emin à la Tate Modern, c'est comme la surprendre en pleurs, nue, sanglotante et en désordre, comme si l'on tombait sur quelque chose de douloureusement intime.
Ce n'est pas une chose facile à réaliser dans les espaces cavernueux de notre principale institution d'art contemporain, mais c'est ce qui fait de Tracey — il ne semble pas juste de l'appeler Emin, elle vous attire si près que c'est comme si vous la connaissiez, c'est Tracey, n'est-ce pas ? — une artiste si spéciale, importante et qui a défini une époque.
C'est une icône, l'artiste la plus célèbre de Grande-Bretagne. Elle a façonné une génération, choqué une nation et changé ce que l'art pouvait être. Depuis le début des années 1990, elle crée un art si cru, si viscéral, si émotionnellement honnête qu'elle vous force à ressentir ce qu'elle ressent.
Tracey symbolise l'apogée des années 90 — son sexe, ses drogues et son alcool, ses succès et ses excès — mais cette exposition n'est pas à propos de cela. Elle raconte comment elle a exposé sa vie, s'est mise à nu et nous a tous poussés à faire face à nos propres émotions dans ce processus.
Ce n'est pas une grande célébration froide et aux murs blancs de son œuvre ; c'est bien plus intime, sombre et claustrophobique. Dans le film brutal et déchirant de 1995 **Why I Never Became a Dancer**, Tracey parle d'avoir quitté l'école à 13 ans, d'avoir eu des relations sexuelles avilissantes et abusives avec des hommes plus âgés, et de se promener à Margate tandis que des garçons lui criaient "salope". Mais à la fin, elle transforme toute cette douleur en quelque chose de joyeux. "Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, celle-ci est pour vous", dit-elle, et danse sur l'hymne disco de Sylvester **(You Make Me Feel) Mighty Real**. C'est ça, notre Trace — elle vit, elle ressent, elle aime, elle souffre, et puis elle transforme tout cela en art.
C'est une équation simple répétée encore et encore de différentes façons tout au long de sa carrière. Elle transforme des railleries cruelles en courtepointes, des chagrins d'amour en peintures, et des insultes criées à sa mère — parce qu'elle a épousé un homme chypriote turc — en poésie.
Un avortement que l'artiste a subi au début des années 1990 projette une ombre immense. Dans un film, elle parle de la détresse qu'elle a endurée et de la façon dont les gens l'ont traitée par la suite. Dans la pièce voisine, une étagère présente son bracelet d'hôpital et une petite bouteille d'acide méfénamique antidouleur à côté d'une vitrine de chaussures d'enfant. C'est presque trop, trop déchirant.
Pourtant, cet avortement fut son "suicide émotionnel", un moment sismique qui a tout changé. Elle a détruit toutes ses peintures de l'école d'art, s'est enfermée dans un atelier pendant trois semaines et demie, et a recommencé à zéro. Cet atelier est reconstitué ici, couvert de peintures griffonnées, de canettes vides de bière blonde européenne et de linge sale.
**My Bed** est là aussi — comment pourrait-il en être autrement ? Mais pour quelque chose d'aussi iconique, il ne semble pas monumental ou grandiose, ni comme une pièce qui a dominé le discours artistique populaire pendant des décennies. On a juste l'impression d'être admis, d'avoir accès à un autre moment privé de douleur. Il n'a jamais été destiné à faire la une des journaux ou à changer le monde ; c'était juste la vérité — la réalité de quelqu'un vivant sa vie.
Vivre cette vie est devenu plus difficile récemment. On lui a diagnostiqué un cancer de la vessie il n'y a pas longtemps, et un sombre couloir ici est rempli de photos de son stomie qui saigne. Il n'y a pas de limites avec Tracey ; vous obtenez tout d'elle, quoi qu'il arrive. Son rétablissement du cancer marque la seconde vie du titre de l'exposition, une renaissance.
Les courtepointes, les films et les installations sont les œuvres les plus célèbres ici, mais l'exposition est aussi pleine de peintures. Des autoportraits rudes et chaotiques en noir, rouge et gris — le corps de Tracey est étalé et saignant, gisant brisé dans un lit ou debout, fragile et fantomatique, au bord de l'effondrement. Beaucoup d'entre eux sont couverts de demi-poésie diaristique... Ce ne sont pas toutes de grandes peintures, mais elles sont touchantes dans toute leur crudité désordonnée et tumultueuse.
Ce qui n'est vraiment pas génial, c'est son travail sculptural. Chaque bronze ressemble à une masse métallique mal faite placée dans la galerie. Et je pourrais volontiers passer le reste de ma vie sans jamais revoir un de ses néons, qui ont tous l'air d'appartenir aux halls des pires hôtels de la planète.
Mais même quand elle est mauvaise, au moins elle est vraie et sincère. Certaines parties de cette exposition m'ont laissé en morceaux. La peinture d'elle portant les cendres de sa mère m'a complètement brisé et m'a laissé le regret de ma propre mère, décédée juste avant la pandémie. J'étais une épave en larmes ; c'était bouleversant. Ça doit être épuisant d'être Tracey. Je ne pourrais pas ressentir tout cela avec autant d'intensité tout le temps — je dois fonctionner, envoyer des emails et aller à Tesco.
Ne venez pas ici en quête d'un bon moment — vous ne le trouverez pas. Mais venez chercher de l'amour, du chagrin, de la peine et de la tristesse purs, sans excuses, non dilués et frontaux, et vous finirez par ressentir plus que vous n'avez probablement ressenti depuis des années.
Foire Aux Questions
Bien sûr. Voici une liste de FAQ concernant la critique intitulée "Tracey Emin : A Second Life" - cette exposition crue sur l'amour, la peine et la douleur m'a laissé en larmes, conçue pour couvrir un éventail de perspectives.
Questions Générales / Débutants
Q : Qui est Tracey Emin ?
R : Tracey Emin est une célèbre artiste contemporaine britannique, membre du groupe des Young British Artists. Elle est connue pour son travail profondément personnel et confessionnel qui explore des thèmes comme l'amour, le sexe, le traumatisme et la mémoire, en utilisant des médiums comme le néon, le texte, la broderie, le dessin et la sculpture.
Q : De quoi parle l'exposition "A Second Life" ?
R : C'est une grande exposition présentant le travail d'Emin de la dernière décennie, créé après son rétablissement d'une opération majeure pour un cancer. Le titre fait référence à son attention renouvelée portée à la vie, à l'amour et à l'énergie artistique, bien que le travail continue de lutter avec sa douleur et sa peine passées.
Q : Pourquoi le critique a-t-il dit avoir été laissé en larmes ?
R : Le critique a été submergé émotionnellement par l'honnêteté crue et la vulnérabilité dans le travail d'Emin. L'art communique directement des sentiments intenses d'amour, de perte et de douleur physique d'une manière qui peut sembler très immédiate et personnelle au spectateur.
Q : L'exposition est-elle adaptée à quelqu'un qui ne s'y connaît pas beaucoup en art ?
R : Oui, absolument. Le travail d'Emin est souvent basé sur le texte et traite d'émotions humaines universelles. Vous n'avez pas besoin d'un diplôme d'histoire de l'art pour vous connecter à des sentiments de chagrin, de désir ou de joie. La critique suggère que sa puissance réside dans son impact émotionnel direct.
Q : Quel genre d'art vais-je y voir ?
R : Vous pouvez vous attendre à de grandes sculptures en bronze, des couvertures brodées intimes, des peintures figuratives crues et ses néons iconiques avec des phrases manuscrites sur l'amour et le désir. Les matériaux et l'échelle varient considérablement.
Questions Avancées / Contextuelles
Q : La critique la qualifie de "crue". Que signifie cela dans le contexte du travail d'Emin ?
R : "Crue" fait référence à la nature non polie, non filtrée et profondément personnelle de son art. Elle ne cache pas ses cicatrices émotionnelles ou physiques, elle les présente directement à travers des traits de dessin frénétiques, un texte confessionnel et des thèmes qui semblent privés et exposés.
Q : En quoi cette exposition diffère-t-elle de son travail antérieur, plus controversé ?
A :
