David Hockney cambió el mundo solo con mirarlo. Su arte fue una celebración de la pura alegría visual: un largo y delicioso festín de la mirada. Fue alguien que encontraba maravilla en flores en un jarrón y autopistas bañadas por el sol, y que constantemente pensaba en nuevas formas de capturar esos tesoros efímeros en imágenes. Nunca pareció ocurrírsele que su forma de ver fuera revolucionaria. Todo lo que le importaba era la verdad. Pero nadie antes había capturado la apariencia y la sensación del mundo moderno con tanta aceptación. Tiene la misma perfección simple que los Beatles—así como ellos capturaron el sonido del mundo moderno, él capturó su imagen.
Lo más revelador de Hockney es que amaba Los Ángeles. Donde otros podían ver un caos sin sentido, él veía libertad y posibilidad bajo un cielo azul sin prejuicios. Casas bajas con puertas correderas que brillaban vacías, altas y delgadas palmeras con diminutas copas, el chapoteo blanco de un clavadista al golpear el agua—la California de Hockney es una visión del paraíso. Es el Matisse del arte pop, y Un chapuzón más grande es la respuesta de los años sesenta al manifiesto del placer de Matisse de 1904, Lujo, calma y voluptuosidad.
El arte pop a menudo tenía un lado sombrío, tan ancho como un Chevrolet. La mayoría de sus grandes figuras—Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter—no eran fanáticos sino críticos fríos de la nueva sociedad de consumo occidental que tomaba forma hacia 1960. Entonces llegó Hockney. Creciendo en el paisaje industrial ennegrecido por el humo de Bradford, se convirtió en un joven artista libre tanto de nostalgia como de esnobismo. Sus primeras obras, realizadas cuando era estudiante en el Royal College of Art de Londres, aceptan la vida moderna no con ironía o ideología, sino simplemente porque era su vida: desde lámparas de escritorio hasta bailar y ducharse, ¿por qué no iba a mostrar cómo vivía su generación?
Ser gay era solo parte de la verdad que vivía y pintaba. No era un gran problema, y le molestaría que lo recordáramos como "el primer artista abiertamente gay de Gran Bretaña". Es precisamente su representación relajada y sin preocupaciones de una sexualidad que era ilegal en la Gran Bretaña de principios de los sesenta lo que hace que su arte sea tan subversivo sin esfuerzo. Desde su llamativa pintura de 1960–61 Doll Boy, que confiesa su pasión por Cliff Richard ("muy atractivo, muy sexy"), hasta un sereno retrato de 1968 de una pareja madura y segura, Christopher Isherwood y Don Bachardy, el desarrollo artístico de Hockney durante esa década revolucionaria tiene mucho que ver con encontrar el estilo adecuado para mostrar la vida gay tal como es.
Sin embargo, Hockney nunca es solo un participante en el nuevo mundo libre y pleno que buscó en el Londres vibrante—y encontró en California. También es un observador, y uno muy consciente de sí mismo. Cuando visitó por primera vez Estados Unidos en 1961, hizo un registro cómico del viaje en una serie de grabados modelados a partir de El progreso del libertino de William Hogarth. El libertino con gafas y escuálido es el propio Hockney, fascinado y desconcertado por Estados Unidos mientras descubre que hay una escena gay y termina rodeado de clones con vaqueros escuchando música pop con auriculares (esto fue hace casi 60 años: Hockney ya estaba imaginando la forma en que vivimos ahora, incluso entonces).
A finales de los años sesenta, una inquietante quietud se apoderó de sus pinturas a medida que se convertía más abiertamente en el observador, el espectador. La soledad de mirar es el tema de lo que quizás sea su mejor pintura, Retrato de un artista (Piscina con dos figuras). Es ciertamente la más cara, vendida en 2018 por 90.3 millones de dólares. En este enorme lienzo de 1972—una obra casi mística y radiante—un joven con una chaqueta rosa está junto a una piscina al aire libre, observando a un nadador cuya pálida carne parpadea bajo un agua turquesa translúcida. Para dar el tipo de detalle chismoso que Hockney llegó a odiar, el hombre junto a la piscina es Peter Schlesinger, y la pintura captura el final de su relación—un trauma que le da una autoridad dolorosa. Visiones del paraíso… Hockney en su casa de Malibú, California, en 1991. Fotografía: Paul Harris/Getty Images
Pero aunque mirar puede ser un acto solitario, también es una alegría. Es casi vergonzoso admitir que, a pesar de toda la tensión psicológica en esta pintura, el paisaje resplandeciente y fundido de las colinas coloridas bañadas por el sol más allá de la piscina es igualmente hipnotizante. Tales vistas cautivaron a Hockney, y su arte comparte esa maravilla. Algunas de sus obras más memorables son simples naturalezas muertas: su pintura de 1972 Monte Fuji y flores, o su hermoso estudio de una frágil tetera de porcelana contra un mar azul agitado y ondulante, Desayuno en Malibú, domingo 1989.
En ambas piezas, delicadas escenas de naturaleza muerta se colocan junto a vastas e imponentes imágenes de la naturaleza. Es el tipo de juego con la historia del arte—aquí, enfrentando a Chardin contra Turner o Hokusai—que Hockney podía lograr sin esfuerzo porque era muy curioso acerca de cómo los estilos cambiantes del arte moldean la forma en que vemos el mundo. No había nada ingenuo en su realismo. Uno de sus héroes más grandes fue Picasso. No solo imaginó un encuentro entre ellos dos en una brillante imitación del propio estilo gráfico de Picasso, sino que también, en un experimento alejado de su caballete, intentó aplicar las perspectivas cubistas cambiantes de Picasso a la fotografía. Sus matrices de fotos en capas, que buscan capturar las múltiples miradas y vistas fragmentadas a través de las cuales realmente vemos el mundo, se encuentran entre sus obras más reconocibles al instante.
Hockney me llevó una vez a una exposición de Caravaggio en la National Gallery para explicarme por qué creía que el pintor debía haber usado algún tipo de cámara primitiva. Luego, en su casa de Londres, sacó un pergamino japonés para mostrar cómo el arte paisajístico oriental utiliza puntos de vista cambiantes y desplegables que abrazan la escala del mundo mucho más que la perspectiva de punto único que ha obsesionado al arte occidental. Su argumento era fascinante, y también lo era el pergamino—que no era un original sino una copia. En otras palabras, lo valoraba no por su rareza sino por su utilidad.
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Tome asiento … Hockney fuma junto a dos obras. Fotografía: J-P/Photo Credit: Jean-Pierre Gonçalves de Lima
La casa de Hockney en Bridlington también estaba decorada de manera hermosa pero simple. No usaba su riqueza para vivir lujosamente, sino para trabajar e investigar. Había una modestia y franqueza en él que era profundamente conmovedora. Se hizo famoso por su obstinada negativa a dejar de fumar, pero como no fumador, puedo confirmar que cuando una vez me llevó en coche por Yorkshire, usó un cenicero de alta tecnología que mantenía su humo para sí mismo. Era un libertario cortés.
Ese carácter se manifestaba en público y convertía a Hockney en una celebridad. Alcanzó un tipo de popularidad que los artistas británicos más jóvenes no han logrado, más parecida a la de David Attenborough o la reina. David Hockney era auténtico—un gran artista y un gran ser humano.
Preguntas Frecuentes
Aquí hay una lista de preguntas frecuentes sobre David Hockney y cómo su trabajo capturó la esencia del mundo moderno, escritas en un tono natural con respuestas claras
Preguntas de Nivel Principiante
1 ¿Quién es David Hockney
David Hockney es un famoso artista británico conocido por sus vibrantes pinturas dibujos y fotomontajes Ha sido una figura importante en el arte pop desde los años sesenta
2 ¿Por qué la gente dice que Hockney capturó la esencia del mundo moderno
Se centró en las cosas que definen la vida moderna piscinas brillantes arquitectura californiana elegante el auge de la fotografía y la forma en que vemos el mundo a través de pantallas y tecnología Su trabajo se siente fresco y de su tiempo
3 ¿Cuál es la pintura más famosa de Hockney
Retrato de un artista es su obra más icónica Muestra a un hombre con chaqueta rosa mirando a un nadador en una piscina Captura perfectamente el ocio y el estilo de la California de los años setenta
4 ¿Hockney solo pintó piscinas
No pero las piscinas son un tema recurrente También pintó paisajes retratos naturalezas muertas y usó nuevas tecnologías como fotocopiadoras faxes y iPads para crear arte
5 ¿Qué significa un festín para los ojos en este contexto
Significa que su arte es visualmente rico colorido y alegre de mirar Usa colores brillantes y audaces y perspectivas inteligentes que te hacen querer seguir explorando cada detalle
Preguntas de Nivel Intermedio
6 ¿Cómo usó Hockney la fotografía para capturar el mundo moderno
Creó fotomontajes donde tomaba muchas fotos Polaroid de una escena desde diferentes ángulos y luego las organizaba en una cuadrícula Esto imita cómo nuestros ojos realmente se mueven y ven el mundo no como una sola instantánea sino como una serie de miradas
7 ¿Qué papel jugó la tecnología en el arte de Hockney
Hockney adoptó nuevas herramientas Usó una fotocopiadora para hacer impresiones en capas un fax para enviar dibujos a través del mundo y más tarde un iPad para pintar directamente en una pantalla Esto muestra cómo las herramientas modernas se convierten en parte de cómo creamos y vemos
8 ¿Cómo cambió el estilo de Hockney cuando se mudó a California
Mudarse de Inglaterra a la soleada California
