**Fall**
*Fall*, il thriller psicologico del 2022 di Scott Mann, è l'unico film che abbia mai dovuto mettere in pausa solo per far calmare i nervi. La sua genialità risiede nella sua semplicità. Dopo che il marito di Becky, Dan, muore improvvisamente in un incidente di arrampicata, lasciandola traumatizzata e suicida, la sua amica amante del brivido, Hunter, la convince ad affrontare le sue paure attraverso un'ardita scalata. Il loro obiettivo è un traliccio televisivo dismesso nel deserto californiano, alto quasi il doppio della Torre Eiffel. Ma quando la scala che hanno usato crolla, lasciandole bloccate su una piccola piattaforma in cima, si ritrovano in una situazione disperata. Il film offre una scena tesa e da far sudare le palme dopo l'altra, ma approfondisce anche la complessa amicizia tra Hunter e Becky, esplorando come Becky riscopre lentamente la sua forza interiore. Con la notizia di una potenziale franchise in lavorazione, non vedo l'ora che esca il prossimo capitolo per farmi pompare di nuovo l'adrenalina.
**Gaslight**
Solo un thriller ha avuto un tale impatto che il suo titolo è diventato un termine comune per la manipolazione psicologica. E nessuno lo fa meglio del personaggio di Charles Boyer, Gregory, in *Gaslight*. Ambientato nella Londra vittoriana, Gregory trasferisce la sua nuova moglie, Paula (Ingrid Bergman), in una grande townhouse dove sua zia fu assassinata - un caso ancora irrisolto. Lì, cerca metodicamente di convincerla che sta perdendo la testa. Anche dopo 80 anni, il film a lenta combustione di George Cukor rimane intensamente frustrante, grazie alla performance premio Oscar della Bergman; lei ritrae forza anche mentre il suo personaggio si sfascia. Non ho mai visto *Gaslight* in un cinema, e non sono sicuro di poterlo fare—la mia ultima visione mi ha lasciato così turbato che ho dovuto mettere in pausa ogni dieci minuti per camminare per il mio appartamento. Assicurati di avere a portata di mano il tuo confort preferito quando lo guardi.
**The Vanishing**
Dimenticate *The Ring*, *The Exorcist* o *127 Hours*—il film che mi ha veramente scosso è stato *The Vanishing*, un sottile thriller olandese del 1988. Il suo potere e il suo effetto disturbante sono stati in qualche modo oscurati dal successivo remake hollywoodiano del regista con un finale completamente diverso. L'ho visto quando uscì, senza alcuna conoscenza preliminare, come era comune prima di internet. Senza svelare il climax, la storia segue un uomo la cui fidanzata scompare in una stazione di servizio. Anni dopo, incontra qualcuno che si offre di rivelare il suo destino se lui prende un sonnifero. Quando si sveglia e accende il suo accendino, io—insieme a tutto il pubblico—sono andato completamente in tilt. Di solito non bevo, ma ci sono voluti diversi whisky al bar del cinema per calmare i nervi in seguito.
**Uncut Gems**
Ho sentito parlare per la prima volta di *Uncut Gems* su Twitter, quel centro per gli scroller ansiosi in cerca della loro prossima dose di dramma. Anche dopo aver letto innumerevoli tweet che elogiavano l'inesorabile tensione del film, sono stato comunque colto alla sprovvista dall'ansia travolgente del capolavoro del 2019 dei fratelli Safdie. Solo nei primi dieci minuti (che Netflix ha evidenziato come prova che potrebbe essere il film più stressante di sempre), il commerciante di diamanti Howard Ratner (Adam Sandler) si sottopone a una colonscopia, piazza una scommessa rischiosa, viene affrontato da teppisti per un debito di $100.000 e urla al suo strozzino come se fosse una negoziazione. Un personaggio irrazionalmente distrugge un vestito e mette in pegno un oggetto di The Weeknd per $23.500, eppure quello è il momento meno teso del film. Il resto è una discesa inarrestabile in decisioni sbagliate, scommesse disperate, inganni ad alto rischio e il comportamento persistentemente aggressivo di Howie. I miei livelli di stress ne sono stati permanentemente influenzati. - Adrian Horton
**Full Time**
Se i suoni quotidiani come una sveglia mattutina o la porta di un treno che si chiude innescano la tua ansia, forse vuoi procedere con cautela con questo thriller urbano con cui è facile identificarsi. Laure Calamy offre una performance eccezionale nel ruolo di Julie, una madre single che riesce a malapena a tenersi insieme, acutamente consapevole di ogni sfida che affronta. La sua vita ruota attorno a una routine rigidamente programmata—portare i bambini a scuola, prendere il treno per il suo lavoro di pulizie in città—tutto contando sul suo magro reddito e gli alimenti. Ma tutto va in pezzi: i pagamenti sono in ritardo, la sua babysitter si licenzia e uno sciopero ferma tutti i treni proprio quando ottiene un colloquio per un lavoro che potrebbe cambiarle la vita. Il regista Eric Gravel immerge il pubblico nel caos di Julie, usando una frenetica colonna sonora elettronica e un inquietante rumore di fondo per riflettere la sua disperata corsa contro il tempo. - Pamela Hutchinson
**Her Smell**
Nell'apertura dell'intenso ma alla fine edificante rock drama di Alex Ross Perry, la cantante in crisi di Elisabeth Moss, Becky Something, irrompe in un'area backstage, aggredendo verbalmente tutti in un crollo mentale alimentato dalla droga. È una scena straziante che ti fa desiderare una via di fuga, ma non ce n'è. Siamo costretti a testimoniare il suo toccare il fondo. Il film in seguito offre momenti di redenzione e tenerezza, ma quei minuti iniziali sono quasi insopportabili. Ciò che lo rende brillante è come Perry eviti di alienare completamente il pubblico, e la Moss, nel suo ruolo più riuscito, rivela sprazzi di vulnerabilità sotto l'esteriorità distruttiva di Becky. È una visione difficile, ma alla fine gratificante, servendo come una metafora commovente per amare qualcuno che lotta con la dipendenza. - Richard Lawson
**Baby Boy**
Non importa quanti film di Fast & Furious interpreti Tyrese Gibson o quanti progetti paralleli persegua, per molti di noi, sarà sempre Jody del film del 2001 *Baby Boy*. Jody è un giovane immaturo con poca autoconsapevolezza, che dichiara di amare la sua fidanzata Yvette (Taraji P. Henson) mentre continua a corteggiare altre donne. Prova risentimento per il nuovo fidanzato di sua madre (Ving Rhames) anche se, a 20 anni, non ha alcun diritto di vivere ancora a casa. Si comporta da duro ma va in pezzi quando affronta una minaccia reale come Rodney di Snoop Dogg. Pubblicizzato come una storia di formazione, il film mostra invece Jody che viene spaventato al cambiamento piuttosto che maturare di sua spontanea volontà. Il regista John Singleton cattura l'ego incrollabile degli aspiranti gangster, rendendo *Baby Boy* una visione scomoda ma perspicace. - Andrew Lawrence
**Clockwise**
Perché *Clockwise*—la commedia impeccabile di Michael Frayn con John Cleese nei panni di un preside che corre per tenere un discorso a Norwich—non è più estenuante da guardare? Attinge da un incubo comune di cose che vanno storte, ma Cleese si addossa lo stress per il pubblico. Il suo personaggio, Brian Stimpson, è emerso sei anni dopo Basil Fawlty e, nonostante alcune somiglianze, è una figura credibile e con cui ci si identifica: un martire che cerca di mantenere l'ordine in un mondo caotico. Sotto i suoi severi baffi, l'uomo cerca di quietare le proprie esplosioni—un'anima ben intenzionata che cade vittima non solo della sua stessa aggressiva efficienza ma di circostanze oltre il suo controllo. Cleese offre una performance sorprendentemente sfumata e brillante. Sono ora convinto che Daniel Day-Lewis abbia preso in prestito il tono del suo discorso del "frullato" in *There Will Be Blood* dal crollo finale di Stimpson.
Un cenno anche a Penelope Wilton, che sopporta sottili tensioni nel ruolo di una vittima di rapimento in lacrime intrappolata in un'auto in un campo, e ad Alison Steadman e Geoffrey Palmer, entrambi alle prese a volte con la gestione di tre anziane donne con demenza. Il graduale passaggio di Palmer dalla paziente sopportazione a una quasi isteria è particolarmente magistrale. E lode agli attori che interpretano quelle donne: Constance Chapman, che vuole solo trovare un bagno o un ospedale; Joan Hickson, che racconta incessantemente una faida per dei bicchieri da sherry; e l'incantevole Ann Way, che rimane allegra non importa cosa. Avevo dimenticato il momento in cui Steadman sta affrontando una donna arrabbiata alla sua porta di casa in periferia, e Way spunta fuori per chiedere: "Possiamo visitare la casa? È aperta oggi?" Non dimenticherò mai il suo gioioso canto di "This Is My Lovely Day" sopra l'incidente automobilistico culminante. *Clockwise* trasforma lo stress in qualcosa di elegante—un vero e proprio crollo sottovalutato.
Catherine Shoard
**Good Time**
Prima di separarsi, i fratelli Safdie (Benny e Josh) sono diventati noti per film che evocano panico e ansia, concentrandosi su personaggi intrappolati dalle loro stesse scelte distruttive. Il loro thriller sulle scommesse ad alto rischio *Uncut Gems* è l'opera più appariscente e divertente—grazie al suo stile, umorismo e alla presenza di Adam Sandler. Ma *Good Time*, con un impavido e superbo Robert Pattinson nel ruolo di Connie, un criminale da quattro soldi, è quello che ti entra vermente sotto la pelle. I piani di Connie—rapinare una banca, truffare gli spacciatori—sono tutti tentativi disperati per tenere il suo fratello con disabilità dello sviluppo (interpretato dal co-regista Benny) fuori da istituti o prigione. Simpatizziamo con Connie, ma ciò che rende *Good Time* così teso e inquietante è come lui sfrutti quella simpatia. Supplica e contratta, a volte educatamente, mascherando sempre il suo senso di diritto con la disperazione. In questo ritratto inquietante del toccare il fondo, le lotte di Connie eclissano le difficoltà dei personaggi neri intorno a lui, che lui o vittimizza o usa come capri espiatori—aggrappandosi al suo privilegio bianco quando non ha nient'altro.
Radheyan Simonpillai
**Punch-Drunk Love**
A posteriori, è chiaro che a Paul Thomas Anderson in realtà non piace tormentare i suoi personaggi—più dei suoi film finiscono con una nota di speranza che no. Ma nel 2002, con meno film al suo attivo, non era così ovvio. La sua commedia romantica *Punch-Drunk Love* cattura magistralmente la sensazione di un incubo a occhi aperti o di un attacco di panico crescente. Durante la mia prima visione, ho guardato con i pugni serrati e sudati, temendo che qualcosa di terribile sarebbe accaduto a Barry Egan (Adam Sandler), l'eroe timido ma volatile, o a Lena Leonard (Emily Watson), la sua improbabile interesse amoroso. Anderson usa la capacità di Sandler per la violenza—di solito usata per far ridere nelle sue commedie—come una costante minaccia sottostante. Non sei veramente preoccupato che farà del male a Lena, ma che potrebbe andare fuori controllo senza il paracadute di un tipico film Sandler feel-good. Nonostante questa tensione, il film rimane spesso divertente e persino romantico—un numero da funambolo che funziona ancora come una rom-com. Le visioni ripetute, una volta che sai dove sta andando, sembrano diverse. Ma quella prima volta nel 2002 è stata un'esperienza unica. Sandler, ovviamente, avrebbe in seguito recitato nel snervante *Uncut Gems*, che sono sicuro che qualcun altro abbia scelto per questa lista. Chi lo avrebbe mai detto? Chi avrebbe pensato che il ragazzo dietro la Chanukah Song sarebbe diventato un tale maestro della tensione cinematografica? Jesse Hassenger riflette su questo nel suo pezzo, "Guardian writers on their ultimate feelgood movies: 'Radical in its own way'".
Ricordo di essere andato ad un appuntamento per vedere il film vincitore della Palma d'Oro di Cristian Mungiu, "4 Months, 3 Weeks and 2 Days". Avevo solo una vaga idea della trama, ma l'ho scelto per impressionare un accademico più anziano un po' pretenzioso ma molto bello, fingendo che non mi interessasse affatto guardare "Alien vs Predator: Requiem" invece. Prima che il film iniziasse, ci tenevamo per mano al buio, completamente ignari di ciò che stava per arrivare. Poi è iniziato con un ticchettio di orologio e un'emorragia nasale, e siamo stati catapultati nell'intensità.
Ciò che mi aspettavo fosse un dramma d'autore riflessivo si è gradualmente trasformato in uno dei thriller più avvincenti e inquietanti che abbia mai visto. Il suo realismo crudo lo ha reso ancora più difficile da guardare. La storia segue una giovane donna, Otilia, mentre aiuta la sua amica Găbița a ottenere un aborto illegale nella Romania degli anni '80, con ogni passo del loro pericoloso viaggio pieno di suspense. Sebbene la scena dell'aborto stesso sia straziante, è stato il seguito che mi ha veramente colpito. Otilia lascia Găbița sola nella stanza d'albergo per riprendersi sotto le severe istruzioni dell'abortista e deve sopportare una conversazione banale a cena con la famiglia del suo ragazzo, con la mente che corre per la paura. Fu allora che notai che i miei palmi sudavano—e imbarazzantemente, anche quelli del mio appuntamento, che gentilmente ritirò la sua mano per asciugarla. Benjamin Lee
Domande Frequenti
Naturalmente Ecco un elenco di FAQ utili e chiare sui critici del Guardian e sui film che li hanno spinti al limite della sopportazione
Domande Generali e per Principianti
1. Cosa significa "spinti al limite della sopportazione" in questo contesto?
Significa che il film era così intenso, disturbante, emotivamente drenante o graficamente impegnativo che il critico ha trovato difficile guardarlo fino alla fine, anche come parte del suo lavoro.
2. Perché un critico cinematografico dovrebbe guardare film così difficili da sopportare?
È il loro lavoro sperimentare e recensire l'intero spettro del cinema, inclusi i film progettati per provocare reazioni forti e scomode. Li guardano in modo che il pubblico possa fare una scelta informata.
3. Questi film "test di resistenza" sono solo film horror cruenti?
Non sempre. Mentre alcuni sono graficamente violenti, altri sono emotivamente devastanti, psicologicamente inquietanti o presentano un ritmo lento e monotono che mette alla pazienza dello spettatore.
4. Puoi farmi un esempio di un film che è stato menzionato?
Sì, un esempio comunemente citato è *Requiem for a Dream*, noto per la sua rappresentazione straziante e senza compromessi della dipendenza che lascia gli spettatori emotivamente a pezzi.
5. C'è un valore nel guardare questi film difficili?
Molti critici e spettatori sostengono di sì. Questi film possono offrire potenti commenti sociali, evocare una profonda empatia e fornire un'esperienza cinematografica che è memorabile e stimolante, anche se non è godibile in senso tradizionale.
Domande Approfondite e Avanzate
6. Qual è la differenza tra un film che è "impegnativo" e uno che è semplicemente "cattivo"?
Un film impegnativo utilizza i suoi contenuti difficili con intento
