Als Willem Dafoe im vergangenen Jahr die künstlerische Leitung der Biennale Teatro in Venedig übernahm, gestaltete er das Programm nach seinen eigenen Interessen. Er wählte experimentelle Theatergruppen aus, die ihn als jungen Schauspieler beeinflusst hatten, und trat in einem seltsamen, eher steifen Zwei-Personen-Stück von Richard Foreman auf, bei dem es darum ging, zufällige Notizen von Karteikarten vorzulesen. Es wirkte weniger avantgardistisch als vielmehr nostalgisch.
Die diesjährige 54. Ausgabe ist glücklicherweise ganz anders. Dafoes Programm ist breit gefächert und nach außen gerichtet, mit echter kultureller Vielfalt und einer interessanten Mischung aus Theatertraditionen. Das Programm reicht von Europa bis nach Indonesien (einschließlich Yusril Katils Under the Volcano) und Indien (Sharmila Biswas‘ Mischief Dance). Aufführungen wie Satoshi Miyagis Mugen Noh Othello, das Nō-Theater mit Shakespeare verbindet, und Christos Stergioglou und Alex Drakos Ktistakis‘ Cries, das physisches Theater mit musikalischem Geschichtenerzählen sowie moderne Themen mit antikem griechischen Drama kombiniert, sind voller kühner Hybridität.
Das Einzige, was am diesjährigen Programm steif wirkt, ist sein Titel: Alter Native. Dafoe sagt, er beziehe sich auf „Begegnungen zwischen Kulturen – Momente, in denen das Vertraute in einen Dialog mit dir tritt und zu einem Katalysator für Veränderung wird.“ Wenn das auf dem Papier hochtrabend und verwirrend klingt, hat es in der Praxis eine echte Bedeutung.
Ein wiederkehrendes Thema zieht sich durch Dafoes Programm: den Marginalisierten eine Stimme zu geben und sich auf weniger gehörte Geschichten zu konzentrieren. Emma Dante, eine gefeierte sizilianische Dramatikerin, die Werke über Ausgestoßene und gesellschaftliche Außenseiter geschaffen hat, erhält in diesem Jahr den Goldenen Löwen für ihr Lebenswerk, was an sich schon eine mutige Aussage ist.
Und die neueste Produktion von Davide Iodice verkörpert diesen Fokus auf monumentalste Weise. Iodice ist ein italienischer Dramatiker, der zuvor Aufführungen in einer psychiatrischen Klinik, einem Frauengefängnis und einem Obdachlosenheim gemacht hat. Sein neues Werk Promemoria ist zweifellos das Highlight des diesjährigen Programms.
Es führt das Publikum in die San Giobbe, ein Pflegeheim für ältere Menschen in Venedig. Wir gehen durch seine Korridore und interagieren mit 21 Bewohnern, die an kognitivem Abbau, Alzheimer leiden oder nicht mehr vollständig selbstständig sind. Pflegekräfte sind bei ihnen, zusammen mit neun Schauspielern, die um sie herum agieren. Wir hören ihre Geschichten und sehen ihnen beim Tanzen zu.
Die Show ist das Ergebnis eines einjährigen Workshop-Prozesses und ein Projekt von äußerster Zärtlichkeit – auch wenn sie nicht so unerschrocken ist wie Alexander Zeldins Stück Care, das in einem Pflegeheim spielt und derzeit im Londoner Young Vic zu sehen ist.
Auf die Frage nach seiner Vorliebe für das Aufmunternde und Hoffnungsvolle sagt Iodice, der Schmerz sei auf unausgesprochene Weise allgegenwärtig: „Was mich an diesen außergewöhnlichen Schauspielern am meisten beeindruckt hat, war ihre unglaubliche Verbundenheit mit dem Leben, ein starker Wunsch, daran teilzuhaben, selbst in einem Zustand extremer Verletzlichkeit – eine Stärke, die Kraft gibt. Ich wollte dieser freundlichen, sanften Kraft Tribut zollen. Zerbrechlichkeit, Schmerz, Krankheit, Not sind in jeder Ecke des Flurs präsent, in den Gerüchen, in den unaufhörlichen Geräuschen der laufenden medizinischen Geräte, in den Klingeln, die nach Hilfe rufen, in der ständigen Bewegung von Ärzten und Krankenschwestern, im Alltag dieses Ortes. Doch selbst an diesem Ort gelingt es der Menschheit, ihre Schönheit, so sehr sie auch geschmälert sein mag, beharrlich zu bewahren. Es ist diese Schönheit, die mich immer interessiert.“
Cries von Stergioglou und Ktistakis destilliert die Stimmen von Migranten und denen, die im Laufe der Zeit versklavt oder vertrieben wurden, von Hekabe nach der Plünderung Trojas bis zur Gegenwart. Es wird hauptsächlich durch Gesang präsentiert und von einer sechsköpfigen Band von Darstellern am Open-Air-Veranstaltungsort Teatro Verde aufgeführt, der einem Amphitheater ähnelt und auf einer Insel vor dem Festland liegt. Es wird in seinem wütendsten Lied über die Erfahrung lebendig. Migranten, die widerwillig ihre Heimat verlassen, oft unter verzweifelten Umständen, werden im Westen mit Feindseligkeit und Vorurteilen konfrontiert. „Du musst verstehen: Niemand setzt seine Kinder in ein Boot, es sei denn, das Wasser ist sicherer als das Land … niemand wählt Flüchtlingslager oder Leibesvisitationen“, singt ein Darsteller in einem Stück, das mehr zu einem kraftvollen Schrei wird.
Miyagi gibt einer marginalisierten Shakespeare-Figur in Mugen Noh Othello eine Stimme, das das Stück neu interpretiert, um Desdemona, Othellos ermordete Frau, in den Mittelpunkt zu stellen. Als japanischer experimenteller Künstler, der zuvor mehrere westliche Klassiker neu bearbeitet hat, verwendet er das Ritual des Mugen-Nō-Theaters, das bis ins 13. Jahrhundert zurückreicht.
Miyagi erklärt, dass die Hauptfigur im Mugen-Nō immer ein Geist ist, der in einer sich wiederholenden Geschichte gefangen ist. Das Ziel dieses dramatischen Rituals ist es, diese leidende Figur aus ihrem Fegefeuer zu befreien, teilweise durch den Akt des Geschichtenerzählens selbst: „Geschichten zu erzählen, hilft ihnen, ihre Qual zu lösen.“ Für Miyagi verbindet dies die Nō-Tradition mit Shakespeares Geistern und ihrem Verlangen nach Rache in Stücken wie Hamlet.
Ein erkennbarer Nō-Chor, mit Trommeln und Perkussion, erzählt Othellos Vorgeschichte, einschließlich seiner heldenhaften Taten im Krieg. Aber der Fokus liegt auf Desdemonas Geist – einem Geist, der immer empört darüber ist, von ihrem anklagenden Ehemann wegen einer Affäre getötet worden zu sein, die sie nie hatte. Da sie in Shakespeares Originalstück kaum spricht, verschiebt diese Neubearbeitung den Fokus der Geschichte völlig. Es geht nicht mehr um einen zutiefst fehlerhaften Kriegshelden und seine gewalttätige Eifersucht, die durch Iagos listige Tricks geschürt wird. Stattdessen geht es um eine treue Ehefrau und einen ungerecht behandelten Geist, verzehrt von einem Gefühl der Ungerechtigkeit und gefangen in ihrer eigenen schmerzhaften Geschichte. Sie, nicht Othello, wird zum tragischen Herzen des Stücks.
Miyagi ist nicht der Einzige, der die Toten wieder zum Leben erweckt. Dorcy Rugambas Letter to the Absent ist eine Adaption seines Buches Hewa Rwanda, das seiner Familie gewidmet ist, die 1994 beim Völkermord in Ruanda ums Leben kam. Er schlägt vor, dass das Theater ein Medium ist, in dem die Toten wiedergeboren werden können, und er wollte diejenigen zurückbringen, die auf eine Weise starben, die nicht von ihren Mördern definiert wird. „Der Völkermord tötet Menschen zweimal: Zuerst tötet er den Körper, aber danach kann ihre bloße Existenz verschwinden, je nachdem, wie man ihre Geschichte erzählt. Wenn man sich Filme und Bücher [über den Völkermord] ansieht, ist die Gewalt so dramatisch, dass sie zur Geschichte des Mörders wird. Für mich ist es notwendig, einen Weg zu finden, den Opfern ihre vollständige Geschichte zurückzugeben. Damit sie die Hauptfiguren der Geschichte werden können und aufhören, nur Leidende zu sein, die nur durch die schrecklichen Umstände ihres Todes gesehen werden.“
Mehrere Werke haben immersive Elemente. In Iodices Stück bewegen sich maximal 30 Zuschauer pro Aufführung durch die Räume und Gärten des Heims. Sie werden zu aktiven Teilnehmern, die zu einem Kunstworkshop eingeladen werden, um zu hören, was die Bewohner geschaffen haben, oder die mit einer Gruppe älterer Frauen zusammensitzen, die Tee anbieten und Erinnerungen an ihr früheres Arbeitsleben und ihre Familien teilen.
In kleinerem Maßstab ist Mario Banushis Ragada, der erste Teil einer wortlosen Trilogie über familiären Verlust, Erinnerung und Bestattungsrituale. Banushi, ein griechischer Dramatiker albanischer Herkunft, wird von vielen als das neue Gesicht des griechischen Theaters angesehen und ist der Gewinner des diesjährigen Silbernen Löwen der Biennale. Die Trilogie mit dem Titel Romance Familiare (die neben diesem ersten Teil Goodbye, Lindita und Taverna Miresia umfasst) wird auf dem Festival zum ersten Mal zusammen gezeigt. Ragada spielt in einem Raum, der wie ein Familienwohnzimmer aussieht, wobei die Zuschauer in einem Bereich sitzen, der den Raum umgibt, einige auf dem Boden in der Nähe der Schauspieler. Ich war völlig gefangen von dem intensiven emotionalen Drama, das in einem so kleinen, intimen Raum stattfand.
Über das Hauptprogramm hinaus gibt es eine sechsstündige Aufführung von Samuel Becketts How It Is. Das Publikum kann es entweder am Stück ansehen oder über den Tag verteilt Pausen einlegen. Es handelt sich um eine wortgetreue Inszenierung von Becketts dreibändigem Roman, der erstmals 1961 auf Französisch veröffentlicht wurde. Der Text, bekannt für seine Rätselhaftigkeit, ist in unpunktierten Versen geschrieben und zeigt eine einsame Gestalt in einer schlammigen Landschaft, die Stimmen sowohl in sich als auch außerhalb von sich hört.
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Dabei für die Dauer … Stephen Dillane in Becketts How It Is. Foto: Grant Gee
Obwohl es nicht Teil von Dafoes Biennale ist, fügt es sich gut in das praktische, immersive Gefühl seines Programms ein. Dieses „Live-Kunst-Event“, eine Zusammenarbeit zwischen Gare St Lazare Ireland und Berggruen Arts & Culture, findet im obersten Stockwerk des Palazzo Diedo statt. Unter der Regie von Judy Hegarty Lovett, mit gestalterischer Unterstützung des Künstlers Michael Craig Martin, spielen Stephen Dillane und Conor Lovett die Hauptrollen. „Es ist ein sehr mündlicher Text – er funktioniert gut auf der Bühne“, sagt Hegarty Lovett. Gare St Lazare arbeitet seit zehn Jahren daran, und nächstes Jahr werden sie Warten auf Godot mit Gary Oldman inszenieren.
Mit dieser Biennale beendet Dafoe die mindestens zweijährige Amtszeit, die von seinem künstlerischen Direktor verlangt wird. Die Frage ist nun, ob er für weitere zwei Jahre oder länger bleibt. Angesichts des diesjährigen Programms scheint er richtig in Fahrt zu kommen. Abwarten und Platz freihalten? Die Biennale Teatro in Venedig läuft bis zum 21. Juni. Arifa Akbars Reise wurde vom Festival ermöglicht.
Häufig gestellte Fragen
Hier ist eine Liste häufig gestellter Fragen zu In
Anfängerfragen
1 Was genau ist In im Periodensystem
Antwort In ist das chemische Symbol für Indium Es ist ein weiches silbrigweißes Metall das in der Erdkruste sehr selten ist
2 Ist Indium bei Raumtemperatur fest flüssig oder gasförmig
Antwort Es ist ein festes Metall aber sehr weich so weich dass man es mit einem Messer schneiden kann Es hat auch einen sehr niedrigen Schmelzpunkt für ein Metall
3 Wo kommt Indium am häufigsten vor
Antwort Es kommt nicht als reiner Klumpen vor Es ist normalerweise ein Nebenprodukt des Abbaus anderer Metalle wie Zink Blei und Zinn Die größten Produzenten sind China Südkorea und Kanada
4 Wofür wird Indium im Alltag verwendet
Antwort Sie verwenden es wahrscheinlich jedes Mal wenn Sie ein Smartphone oder einen Computerbildschirm berühren Es ist eine Schlüsselzutat in Indiumzinnoxid das Touchscreens leitfähig und transparent macht
Fortgeschrittene technische Fragen
5 Warum ist Indium so wichtig für Touchscreens und Solarpaneele
Antwort Wenn man Indium mit Zinn mischt erhält man Indiumzinnoxid Dieses Material ist sowohl transparent als auch elektrisch leitfähig Aus dem gleichen Grund wird es auch in Dünnschichtsolarzellen verwendet
6 Ist Indium giftig oder gefährlich in der Handhabung
Antwort Reines Indiummetall gilt allgemein als ungiftig und sicher in der Handhabung Einige seiner Verbindungen sind jedoch giftig und können bei Einatmen als Staub Lungenschäden verursachen
7 Warum ist Indium so teuer und schwer zu finden
Antwort Es ist nicht so dass es unglaublich selten in der Erdkruste ist aber es ist dispergiert das heißt es kommt in winzigen Mengen verteilt vor Es ist sehr schwer wirtschaftlich allein abzubauen Das Angebot wird auch stark von einigen wenigen Ländern kontrolliert was die Preise volatil macht
