Quando Willem Dafoe ha assunto la direzione artistica della Biennale Teatro di Venezia lo scorso anno, ha plasmato il programma attorno ai propri interessi. Ha scelto compagnie di teatro sperimentale che lo avevano influenzato come giovane attore e si è esibito in uno strano e piuttosto rigido spettacolo per due persone di Richard Foreman, che prevedeva la lettura di appunti casuali da schede. Sembrava più nostalgico che avanguardistico.
L’edizione di quest’anno, la 54ª, è per fortuna molto diversa. Il programma di Dafoe è ampio e aperto al mondo, con una reale varietà culturale e un interessante mix di tradizioni teatrali. La selezione spazia dall’Europa all’Indonesia (incluso Sotto il Vulcano di Yusril Katil) e all’India (Mischief Dance di Sharmila Biswas). Spettacoli come Mugen Noh Othello di Satoshi Miyagi, che fonde il teatro Noh con Shakespeare, e Cries di Christos Stergioglou e Alex Drakos Ktistakis, che combina teatro fisico con narrazione musicale e temi moderni con il dramma greco antico, sono pieni di audace ibridismo.
L’unica cosa rigida del programma di quest’anno è il suo titolo, Alter Native, che Dafoe dice si riferisca a “incontri tra culture – momenti in cui ciò che è familiare entra in dialogo con te e diventa un catalizzatore per la trasformazione”. Se sulla carta suona astruso e confuso, nella pratica ha un vero scopo.
Un tema ricorrente attraversa il programma di Dafoe: dare voce agli emarginati e concentrarsi su storie meno ascoltate. Emma Dante, una celebre drammaturga siciliana che ha creato opere su reietti ed emarginati sociali, riceve quest’anno il Leone d’Oro alla carriera, che diventa di per sé una dichiarazione coraggiosa.
E l’ultima produzione di Davide Iodice incarna questo focus nel modo più monumentale. Iodice è un drammaturgo italiano che in precedenza ha realizzato spettacoli in un ospedale psichiatrico, un carcere femminile e un dormitorio per senzatetto. La sua nuova opera, Promemoria, è facilmente il momento clou della selezione di quest’anno.
Porta il pubblico all’interno del San Giobbe, una casa di cura per anziani a Venezia. Camminiamo attraverso i suoi corridoi e interagiamo con 21 residenti che hanno declino cognitivo, Alzheimer o non sono più completamente autosufficienti. I caregiver sono accanto a loro, insieme a nove attori che si esibiscono intorno a loro. Ascoltiamo le loro storie e li guardiamo ballare.
Lo spettacolo è il risultato di un laboratorio durato un anno e di un progetto di estrema tenerezza – anche se non è impietoso come l’opera di Alexander Zeldin Care, ambientata in una casa di riposo, attualmente in scena al Young Vic di Londra.
Quando gli viene chiesto della sua preferenza per l’ottimismo e la speranza, Iodice dice che il dolore è tutto lì in modi non detti: “Ciò che mi ha colpito di più di questi attori straordinari è stato il loro incredibile attaccamento alla vita, un forte desiderio di farne parte anche in una condizione di estrema vulnerabilità – una forza che dà forza. Ho cercato di rendere omaggio a questa forza gentile e benevola. La fragilità, il dolore, la malattia, l’emergenza sono presenti in ogni angolo del corridoio, negli odori, nei suoni incessanti delle apparecchiature mediche in funzione, nei campanelli che chiamano assistenza, nel movimento costante di medici e infermieri, nella vita quotidiana di questo luogo. Eppure, anche in questo luogo, l’umanità riesce a mantenere strenuamente la sua bellezza, per quanto residuale. È questa bellezza che mi interessa sempre.”
Cries di Stergioglou e Ktistakis distillano le voci dei migranti e di coloro che sono stati ridotti in schiavitù o sfollati attraverso il tempo, da Ecuba dopo il sacco di Troia fino ai giorni nostri. È presentato principalmente attraverso il canto e messo in scena da un gruppo di sei musicisti/performers al Teatro Verde, un luogo all’aperto che ricorda un anfiteatro e si trova su un’isola al largo della terraferma. Prende vita nella sua canzone più arrabbiata sull’esperienza. I migranti che lasciano le loro case con riluttanza, spesso in circostanze disperate, incontrano ostilità e pregiudizi in Occidente. “Devi capire: nessuno mette i propri figli su una barca a meno che l’acqua non sia più sicura della terraferma... nessuno sceglie i campi profughi o le perquisizioni corporali,” canta un performer in un pezzo che diventa più un grido veemente.
Miyagi dà voce a un personaggio shakespeariano emarginato in Mugen Noh Othello, che reimmagina l’opera incentrandosi su Desdemona, la moglie uccisa di Otello. Artista sperimentale giapponese che in precedenza ha rielaborato diversi classici occidentali, utilizza il rituale del teatro Mugen-Noh, che risale al XIII secolo.
Miyagi spiega che il personaggio principale nel Mugen-Noh è sempre un fantasma intrappolato in una storia che si ripete. L’obiettivo di questo rituale drammatico è liberare questa figura sofferente dal suo purgatorio, in parte attraverso l’atto stesso del narrare: “Raccontare storie li aiuta a risolvere la loro angoscia.” Per Miyagi, questo collega la tradizione Noh ai fantasmi di Shakespeare e al loro desiderio di vendetta in opere come Amleto.
Un riconoscibile coro Noh, con tamburi e percussioni, racconta la storia passata di Otello, incluse le sue gesta eroiche in guerra. Ma il focus è sul fantasma di Desdemona – uno spirito per sempre indignato per essere stata uccisa dal marito accusatore per una relazione che non ha mai avuto. Dato che nell’opera originale di Shakespeare parla a malapena, questa rielaborazione sposta completamente il focus della storia. Non si tratta più di un eroe di guerra profondamente imperfetto e della sua gelosia violenta, alimentata dagli astuti inganni di Iago. Invece, riguarda una moglie fedele e uno spirito offeso, consumato da un senso di ingiustizia e bloccato nella sua dolorosa storia. Lei, non Otello, diventa il cuore tragico dell’opera.
Miyagi non è l’unico a riportare in vita i morti. Lettera agli Assenti di Dorcy Rugamba è un adattamento del suo libro Hewa Rwanda, dedicato alla sua famiglia morta nel genocidio ruandese del 1994. Suggerisce che il teatro è un medium in cui i morti possono rinascere, e voleva riportare indietro coloro che sono morti in un modo che non fosse definito dai loro assassini. “Il genocidio uccide le persone due volte: prima uccide il corpo, ma dopo, la loro stessa esistenza può scomparire nel modo in cui racconti la loro storia. Se guardi film e libri [sul genocidio], la violenza è così drammatica che diventa la storia dell’assassino. Per me, è necessario trovare un modo per restituire alle vittime la loro storia completa. Così possono diventare i personaggi principali della storia e smettere di essere solo sofferenti visti solo attraverso le orribili condizioni della loro morte.”
Diverse opere hanno elementi immersivi. Nel pezzo di Iodice, un massimo di 30 spettatori per rappresentazione si muovono attraverso le stanze e i giardini della casa. Diventano partecipanti attivi, invitati in un laboratorio artistico per ascoltare ciò che i residenti hanno creato, o sedendosi con un gruppo di anziane signore che offrono tè e condividono ricordi delle loro precedenti vite lavorative e delle loro famiglie.
Su scala più ridotta c’è Ragada di Mario Banushi, la prima parte di una trilogia senza parole sulla perdita familiare, la memoria e i rituali funebri. Banushi, drammaturgo greco di origine albanese, è visto da molti come il nuovo volto del teatro greco ed è il vincitore del Leone d’Argento di quest’anno alla biennale. La trilogia, intitolata Romance Familiare (che include Goodbye, Lindita e Taverna Miresia insieme a questa prima parte), viene presentata insieme per la prima volta al festival. Ragada si svolge in quello che sembra un soggiorno di famiglia, con gli spettatori seduti in uno spazio che circonda la stanza, alcuni sul pavimento vicino agli attori. Sono stato completamente catturato dall’intenso dramma emotivo che si svolgeva in uno spazio così piccolo e intimo.
Oltre al programma principale, c’è una performance di sei ore di Come È di Samuel Beckett. Il pubblico può vederla tutta in una volta o fare pause durante il giorno. È una messa in scena parola per parola del romanzo in tre parti di Beckett, pubblicato per la prima volta in francese nel 1961. Noto per essere enigmatico, il testo è scritto in versi senza punteggiatura e presenta una figura solitaria in un paesaggio fangoso che sente voci sia dentro che fuori di sé.
[Immagine: Vista a schermo intero]
Per tutta la durata... Stephen Dillane in Come È di Beckett. Fotografia: Grant Gee
Anche se non fa parte della biennale di Dafoe, si adatta bene alla sensazione pratica e immersiva del suo programma. Questo “evento di arte dal vivo”, una collaborazione tra Gare St Lazare Ireland e Berggruen Arts & Culture, si svolge all’ultimo piano di Palazzo Diedo. Diretto da Judy Hegarty Lovett, con la consulenza artistica di Michael Craig Martin, vede protagonisti Stephen Dillane e Conor Lovett. “È un testo molto orale – funziona bene sul palco,” dice Hegarty Lovett. Gare St Lazare ci lavora da dieci anni, e l’anno prossimo metteranno in scena Aspettando Godot con Gary Oldman.
Con questa biennale, Dafoe completa il mandato minimo di due anni richiesto al suo direttore artistico. La domanda ora è se resterà per altri due anni o più. Visto il programma di quest’anno, sembra che abbia davvero trovato il suo passo. Osservate questo spazio vuoto? La Biennale Teatro di Venezia si svolge fino al 21 giugno. Il viaggio di Arifa Akbar è stato offerto dal festival.
Domande Frequenti
Ecco un elenco di FAQ su In
Domande di Livello Base
1 Cosa significa esattamente In nella tavola periodica
Risposta In è il simbolo chimico dell’Indio È un metallo morbido, bianco-argentato, molto raro nella crosta terrestre
2 L’Indio è solido, liquido o gassoso a temperatura ambiente
Risposta È un metallo solido, ma molto morbido – così morbido che puoi tagliarlo con un coltello Ha anche un punto di fusione molto basso per un metallo
3 Dove si trova più comunemente l’Indio
Risposta Non si trova come pepita pura Di solito è un sottoprodotto dell’estrazione di altri metalli come zinco, piombo e stagno I maggiori produttori sono Cina, Corea del Sud e Canada
4 A cosa serve l’Indio nella vita quotidiana
Risposta Probabilmente lo usi ogni volta che tocchi uno smartphone o uno schermo di computer È un ingrediente chiave nell’Ossido di Indio e Stagno, che rende i touchscreen conduttivi e trasparenti
Domande Avanzate e Tecniche
5 Perché l’Indio è così importante per touchscreen e pannelli solari
Risposta Quando mescoli Indio e Stagno ottieni l’Ossido di Indio e Stagno Questo materiale è sia trasparente che elettricamente conduttivo Viene utilizzato anche nelle celle solari a film sottile per lo stesso motivo
6 L’Indio è tossico o pericoloso da maneggiare
Risposta L’Indio metallico puro è generalmente considerato non tossico e sicuro da maneggiare Tuttavia, alcuni dei suoi composti sono tossici e possono causare danni polmonari se inalati come polvere
7 Perché l’Indio è così costoso e difficile da trovare
Risposta Non è che sia incredibilmente raro nella crosta terrestre, ma è disperso – cioè è sparso in quantità minime È molto difficile da estrarre economicamente da solo L’offerta è anche fortemente controllata da pochi paesi, rendendo i prezzi volatili
