Sembra di essere degli intrusi. Entrare nella vasta retrospettiva di Tracey Emin alla Tate Modern è come sorprenderla mentre piange, nuda, singhiozzante e disfatta, come se ci si fosse imbattuti in qualcosa di dolorosamente privato.
Non è una cosa facile da ottenere negli spazi cavernosi della nostra principale istituzione d'arte contemporanea, ma è questo che rende Tracey – non sembra giusto chiamarla Emin, ti trascina così vicino che è come se la conoscessi, è Tracey, no? – un'artista così speciale, importante, che definisce un'epoca.
È un'icona, l'artista più famosa della Gran Bretagna. Ha plasmato una generazione, scioccato una nazione e cambiato ciò che l'arte poteva essere. Dagli inizi degli anni Novanta, crea un'arte così cruda, così viscerale, così emotivamente onesta da costringerti a sentire ciò che lei sente.
Tracey simboleggia l'apice degli anni '90 – il sesso, le droghe, l'alcol, i successi e gli eccessi – ma questa mostra non parla di questo. Parla di come lei abbia messo in piena vista la sua vita, si sia denudata e abbia spinto tutti noi a fare i conti con le nostre emozioni nel processo.
Questa non è una grande, fredda celebrazione delle sue opere tra pareti bianche; è molto più intima, oscura e claustrofobica. Nel brutale, straziante film del 1995 **Why I Never Became a Dancer**, Tracey parla di aver lasciato la scuola a 13 anni, di aver avuto rapporti sessuali degradanti e abusivi con uomini più grandi e di aver vagato per Margate mentre dei ragazzi le gridavano "puttana". Ma alla fine, trasforma tutto questo dolore in qualcosa di gioioso. "Shane, Eddie, Tony, Doug, Richard, questa è per voi", dice, e balla sull'inno disco di Sylvester **(You Make Me Feel) Mighty Real**. Questa è la nostra Trace – vive, sente, ama, soffre, e poi trasforma tutto in arte.
È una semplice equazione ripetuta in modi diversi per tutta la sua carriera. Trasforma battute crudeli in trapunte, crepacuori in dipinti, e insulti urlati a sua madre – perché aveva sposato un uomo turco-cipriota – in poesia.
Un aborto che l'artista ha avuto nei primi anni Novanta proietta un'ombra enorme. In un film, parla della miseria che ha sopportato e del modo in cui la gente l'ha trattata in seguito. Nella stanza accanto, c'è una mensola con il suo braccialetto ospedaliero e una piccola bottiglia di acido mefenamico antidolorifico accanto a una vetrina di scarpine da bambino. È quasi troppo, troppo straziante.
Eppure l'aborto è stato il suo "suicidio emotivo", un momento sismico che ha cambiato tutto. Ha distrutto tutti i suoi dipinti della scuola d'arte, si è rinchiusa in uno studio per tre settimane e mezzo, ed è ricominciata da zero. Quello studio è ricreato qui, ricoperto di dipinti scarabocchiati, lattine vuote di birra europea e biancheria sporca.
**My Bed** è qui anche lui – come potrebbe non esserci? Ma per qualcosa di così iconico, non sembra monumentale o grandioso, o come un'opera che ha dominato il discorso artistico popolare per decenni. Sembra solo di essere stati fatti entrare, di aver avuto accesso a un altro momento privato di dolore. Non è mai stato pensato per fare notizia o cambiare il mondo; era solo la verità – la realtà di qualcuno che vive la propria vita.
Vivere quella vita è diventato più difficile di recente. Le è stato diagnosticato un cancro alla vescica non molto tempo fa, e un corridoio buio qui è pieno di foto della sua stomia che sanguina. Con Tracey non ci sono confini; ti dà tutta se stessa, a qualsiasi costo. La sua guarigione dal cancro segna la seconda vita del titolo della mostra, una rinascita.
Le trapunte, i film e le installazioni sono le opere più famose qui, ma la mostra è piena anche di dipinti. Autoritratti grezzi e caotici in nero, rosso e grigio – il corpo di Tracey è divaricato e sanguinante, disteso a pezzi nel letto o in piedi, fragile e spettrale, sull'orlo del collasso. Molti di essi sono ricoperti da una semi-poesia diaristica... Non sono tutti grandi dipinti, ma sono coinvolgenti in tutta la loro disordinata, tempestosa crudezza.
Ciò che non è affatto grande è il suo lavoro scultoreo. Ogni bronzo sembra un ammasso metallico mal fatto piazzato in giro per la galleria. E potrei vivere felicemente il resto della mia vita senza mai vedere un altro dei suoi segni al neon, che sembrano tutti appartenere alle hall dei peggiori hotel della Terra.
Ma anche quando è brutta, almeno è reale e sincera. Alcune parti di questa mostra mi hanno fatto a pezzi. Il dipinto che la ritrae mentre porta le ceneri di sua madre mi ha completamente spezzato e mi ha fatto rimpiangere la mia stessa mamma, morta poco prima della pandemia. Ero un relitto in lacrime; è stato travolgente. Dev'essere estenuante essere Tracey. Non potrei sentire così intensamente tutto il tempo – devo funzionare, mandare email e andare al Tesco.
Non venite qui in cerca di un buon momento – non lo troverete. Ma se venite in cerca di amore, dolore, crepacuore e tristezza puri, senza scuse, non diluiti e a tutto campo, finirete per provare più di quanto abbiate probabilmente provato per anni.
**Domande Frequenti**
Ecco un elenco di FAQ sulla recensione intitolata "Tracey Emin: A Second Life review – questa cruda mostra di amore, crepacuore e dolore mi ha lasciato in lacrime", pensate per coprire una serie di prospettive.
**Generali / Domande per Principianti**
**D: Chi è Tracey Emin?**
**R:** Tracey Emin è una famosa artista contemporanea britannica, parte del gruppo dei Young British Artists. È nota per il suo lavoro profondamente personale e confessionale che esplora temi come l'amore, il sesso, il trauma e la memoria, utilizzando mezzi come il testo al neon, il ricamo, il disegno e la scultura.
**D: Di cosa tratta la mostra "A Second Life"?**
**R:** È una grande mostra che espone il lavoro di Emin dell'ultimo decennio, creato dopo la sua guarigione da un importante intervento chirurgico per il cancro. Il titolo si riferisce al suo rinnovato focus sulla vita, l'amore e l'energia artistica, sebbene il lavoro continui a confrontarsi con il suo passato di dolore e crepacuore.
**D: Perché il recensore ha detto di essere stato lasciato in lacrime?**
**R:** Il recensore è stato emotivamente sopraffatto dalla cruda onestà e vulnerabilità nel lavoro di Emin. L'arte comunica direttamente intense sensazioni di amore, perdita e dolore fisico in un modo che può sembrare molto immediato e personale allo spettatore.
**D: La mostra è adatta a qualcuno che non sa molto di arte?**
**R:** Sì, assolutamente. Il lavoro di Emin è spesso basato sul testo e tratta emozioni umane universali. Non serve una laurea in storia dell'arte per connettersi con sentimenti di crepacuore, desiderio o gioia. La recensione suggerisce che il suo potere risieda nel suo impatto emotivo diretto.
**D: Che tipo di arte vedrò lì?**
**R:** Puoi aspettarti sculture in bronzo di grande formato, coperte ricamate intime, dipinti figurativi crudi e i suoi iconici segni al neon con frasi scritte a mano su amore e desiderio. I materiali e le dimensioni variano ampiamente.
**Avanzate / Domande Contestuali**
**D: La recensione la definisce "cruda". Cosa significa nel contesto del lavoro di Emin?**
**R:** "Crudo" si riferisce alla natura non rifinita, non filtrata e profondamente personale della sua arte. Non nasconde le sue cicatrici emotive o fisiche, le presenta direttamente attraverso linee di disegno frenetiche, testo confessionale e temi che sembrano privati ed esposti.
**D: In che modo questa mostra differisce dal suo lavoro precedente, più controverso?**
