David Hockney ha cambiato il mondo semplicemente guardandolo. La sua arte è stata una celebrazione della pura gioia visiva—un lungo e delizioso banchetto del vedere. Era qualcuno che trovava meraviglia in fiori in un vaso e autostrade illuminate dal sole, e che pensava costantemente a nuovi modi per catturare tesori così fugaci in immagini. Non gli è mai sembrato di pensare che il suo modo di vedere fosse rivoluzionario. Tutto ciò che gli importava era la verità. Ma nessuno aveva mai catturato l'aspetto e la sensazione del mondo moderno con tanta accettazione prima di lui. Ha la stessa semplice perfezione dei Beatles—proprio come loro hanno catturato il suono del mondo moderno, lui ne ha catturato l'aspetto.
La cosa più rivelatrice di Hockney è che amava Los Angeles. Dove altri potevano vedere un caos insensato, lui vedeva libertà e possibilità sotto un cielo azzurro non giudicante. Case basse con porte-finestre che scintillavano vuote, alte e sottili palme con minuscole cime, il bianco schizzo di un tuffatore che colpisce l'acqua—la California di Hockney è una visione del paradiso. È il Matisse della pop art, e A Bigger Splash è la risposta degli anni '60 al manifesto del piacere del 1904 di Matisse, Luxe, Calme et Volupté.
La pop art aveva spesso un lato cupo, largo quanto una Chevrolet. La maggior parte delle sue grandi figure—Richard Hamilton, Andy Warhol, Gerhard Richter—non erano fan ma critici freddi della nuova società consumistica occidentale che prendeva forma intorno al 1960. Poi arrivò Hockney. Cresciuto nel paesaggio industriale annerito dal fumo di Bradford, divenne un giovane artista libero sia dalla nostalgia che dallo snobismo. I suoi primi lavori, realizzati quando era studente al Royal College of Art di Londra, accettano la vita moderna non con ironia o ideologia, ma semplicemente perché era la sua vita: dalle lampade da scrivania al ballare fino a fare la doccia, perché non avrebbe dovuto mostrare come viveva la sua generazione?
Essere gay era solo una parte della verità che viveva e dipingeva. Non era un grosso problema, e si sarebbe arrabbiato se lo avessimo ricordato come "il primo artista apertamente gay della Gran Bretagna". È proprio la sua rappresentazione rilassata e serena di una sessualità che era illegale nella Gran Bretagna dei primi anni '60 che rende la sua arte così facilmente sovversiva. Dal suo vistoso dipinto del 1960–61 Doll Boy, che confessa la sua passione per Cliff Richard ("molto attraente, molto sexy"), a un calmo ritratto del 1968 di una coppia matura e sicura di sé, Christopher Isherwood e Don Bachardy, lo sviluppo artistico di Hockney durante quel decennio rivoluzionario riguarda molto la ricerca dello stile giusto per mostrare la vita gay così com'è.
Eppure Hockney non è mai solo un partecipante al nuovo mondo libero e realizzato che cercava nella swinging London—e che ha trovato in California. È anche un osservatore, e molto consapevole di sé. Quando visitò per la prima volta gli Stati Uniti nel 1961, realizzò una cronaca comica del viaggio in una serie di stampe modellate su The Rake's Progress di William Hogarth. Il Rake con gli occhiali e allampanato è lo stesso Hockney, affascinato e perplesso dall'America mentre scopre che esiste una scena gay e finisce circondato da cloni in jeans che ascoltano musica pop con le cuffie (questo era quasi 60 anni fa: Hockney stava già immaginando il modo in cui viviamo ora, anche allora).
Verso la fine degli anni '60, una inquietante immobilità prese il sopravvento nei suoi dipinti mentre diventava più apertamente l'osservatore, lo spettatore. La solitudine del guardare è il tema di quello che potrebbe essere il suo più grande dipinto, Portrait of an Artist (Pool with Two Figures). È certamente il suo più costoso, venduto nel 2018 per 90,3 milioni di dollari. In questa enorme tela del 1972—un'opera quasi misticamente radiosa—un giovane in giacca rosa sta in piedi accanto a una piscina all'aperto, osservando un nuotatore la cui carne pallida tremola sotto l'acqua turchese traslucida. Per dare il tipo di dettaglio pettegolo che Hockney arrivò a odiare, l'uomo vicino alla piscina è Peter Schlesinger, e il dipinto cattura la fine della loro relazione—un trauma che gli conferisce una dolorosa autorità.
Visioni del paradiso… Hockney a casa a Malibu, California, nel 1991. Fotografia: Paul Harris/Getty Images
Ma anche se guardare può essere un atto solitario, è anche una gioia. È quasi imbarazzante ammettere che, nonostante tutta la tensione psicologica in questo dipinto, il paesaggio luminoso e fuso delle colline colorate e inondate di sole oltre la piscina è altrettanto ipnotizzante. Tali scene hanno affascinato Hockney, e la sua arte condivide quella meraviglia. Alcune delle sue opere più memorabili sono semplici nature morte: il suo dipinto del 1972 Mount Fuji and Flowers, o il suo bellissimo studio di una fragile teiera di porcellana contro un mare blu agitato e ondulato, Breakfast at Malibu, Sunday 1989.
In entrambi questi pezzi, delicate scene di natura morta sono collocate accanto a vaste e maestose immagini della natura. È il tipo di gioco di storia dell'arte—qui, mettendo Chardin contro Turner o Hokusai—che Hockney poteva realizzare senza sforzo perché era così curioso di come gli stili mutevoli dell'arte modellano il modo in cui vediamo il mondo. Non c'era nulla di ingenuo nel suo realismo. Uno dei suoi più grandi eroi era Picasso. Non solo immaginò un incontro tra loro due in una brillante imitazione dello stile grafico di Picasso, ma anche, in un esperimento lontano dal suo cavalletto, cercò di applicare le prospettive cubiste mutevoli di Picasso alla fotografia. I suoi arrangiamenti fotografici a strati, che mirano a catturare i molti sguardi e le viste frammentate attraverso cui vediamo veramente il mondo, sono tra le sue opere più immediatamente riconoscibili.
Hockney una volta mi portò in giro per una mostra di Caravaggio alla National Gallery per spiegare perché credeva che il pittore dovesse aver usato una specie di prima macchina fotografica. Poi, a casa sua a Londra, tirò fuori un rotolo giapponese per mostrare come l'arte paesaggistica orientale usa punti di vista mutevoli e che si svolgono che abbracciano la scala del mondo molto più della prospettiva a punto singolo che ha ossessionato l'arte occidentale. La sua argomentazione era affascinante, e così lo era il rotolo—che non era un originale ma una copia. In altre parole, lo apprezzava non per la sua rarità ma per la sua utilità.
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Si sieda… Hockney fuma vicino a due opere. Fotografia: J-P/Photo Credit: Jean-Pierre Gonçalves de Lima
La casa di Hockney a Bridlington era anche splendidamente ma semplicemente decorata. Non usava la sua ricchezza per vivere lussuosamente, ma per lavorare e fare ricerca. C'era una modestia e una schiettezza in lui che era profondamente commovente. Divenne famoso per il suo ostinato rifiuto di smettere di fumare, ma come non fumatore, posso confermare che quando una volta mi portò in giro per lo Yorkshire, usò un posacenere high-tech che teneva il suo fumo per sé. Era un libertario cortese.
Quel carattere emergeva in pubblico e rendeva Hockney una celebrità. Raggiunse un tipo di popolarità che gli artisti britannici più giovani non hanno raggiunto, più simile a quella di David Attenborough o della regina. David Hockney era la cosa vera—un grande artista e un grande essere umano.
Domande Frequenti
Ecco un elenco di domande frequenti su David Hockney e su come il suo lavoro ha catturato l'essenza del mondo moderno, scritte in un tono naturale con risposte chiare
Domande di Livello Base
1 Chi è David Hockney
David Hockney è un famoso artista britannico noto soprattutto per i suoi dipinti vivaci, disegni e fotocollage. È stato una figura importante della pop art sin dagli anni '60.
2 Perché si dice che Hockney abbia catturato l'essenza del mondo moderno
Si è concentrato sulle cose che definiscono la vita moderna: piscine luminose, l'architettura elegante della California, l'ascesa della fotografia e il modo in cui vediamo il mondo attraverso schermi e tecnologia. Il suo lavoro sembra fresco e del suo tempo.
3 Qual è il dipinto più famoso di Hockney
Portrait of an Artist è la sua opera più iconica. Mostra un uomo con una giacca rosa che guarda un nuotatore in una piscina. Cattura perfettamente il tempo libero e lo stile della California degli anni '70.
4 Hockney dipingeva solo piscine
No, ma le piscine sono un tema ricorrente. Ha anche dipinto paesaggi, ritratti, nature morte e ha usato nuove tecnologie come fotocopiatrici, fax e iPad per creare arte.
5 Cosa significa "un banchetto per gli occhi" in questo contesto
Significa che la sua arte è visivamente ricca, colorata e gioiosa da guardare. Usa colori brillanti e audaci e prospettive intelligenti che ti fanno venire voglia di continuare a esplorare ogni dettaglio.
Domande di Livello Intermedio
6 Come ha usato Hockney la fotografia per catturare il mondo moderno
Ha creato fotocollaggi in cui scattava molte foto Polaroid di una scena da diverse angolazioni e poi le disponeva in una griglia. Questo imita il modo in cui i nostri occhi si muovono e vedono effettivamente il mondo—non come un'unica istantanea, ma come una serie di sguardi.
7 Che ruolo ha avuto la tecnologia nell'arte di Hockney
Hockney ha abbracciato nuovi strumenti. Ha usato una fotocopiatrice per fare stampe a strati, un fax per inviare disegni in tutto il mondo e, successivamente, un iPad per dipingere direttamente su uno schermo. Questo mostra come gli strumenti moderni diventano parte del modo in cui creiamo e vediamo.
8 Come è cambiato lo stile di Hockney quando si è trasferito in California
Trasferirsi dall'Inghilterra alla soleggiata California
