**Tłumaczenie tekstu z języka angielskiego na polski:**
Centrum Ilustracji im. Quentina Blake'a, które otwiera się w przyszłym miesiącu w londyńskim Clerkenwell, mieści się w rozległym XVII-wiecznym kompleksie przemysłowym. Jest promowane jako największa instytucja tego typu na świecie – stały narodowy dom dla formy sztuki, która wpływa na wszystko, od książek dla dzieci i karykatur politycznych po animację, modę, reklamę i kulturę cyfrową. Częściowo muzeum, częściowo galeria, a częściowo laboratorium kreatywne, centrum jest niezwykłym wysiłkiem, aby wydobyć ilustrację z cienia i wreszcie umieścić ją w centrum brytyjskiego życia kulturalnego.
Zobacz obraz w pełnym rozmiarze
Gruffalo autorstwa Julii Donaldson i Axela Schefflera. Ilustracja: Axel Scheffler
Docelowo centrum będzie mieścić ogromne archiwum samego Blake'a: 40 000 rysunków jednego z najbardziej znanych i natychmiast rozpoznawalnych artystów w Wielkiej Brytanii. Mający obecnie 93 lata Blake spędził 75 lat, ożywiając słowa niektórych z naszych najbardziej ukochanych autorów. Roald Dahl to oczywiście ten najważniejszy – nie można myśleć o Dahlu bez wyobrażenia sobie żywych rysunków Blake'a wykonanych piórkiem – ale lista obejmuje także Michaela Rosena, Johna Yeomana, Sylvii Plath i Voltaire'a, a także własne książki Blake'a. Innymi słowy, trudno znaleźć kogoś o takiej samej autorytecie.
„Trzeba zrobić więcej, aby uznać znaczenie wszelkiej ilustracji jako formy sztuki” – wyjaśnia Blake. „To, co jest w niej szczególnie wspaniałe, to fakt, że jest to język, który wszyscy rozumieją”.
Przez lata ilustratorzy byli pomijani, postrzegani jako ludzie, którzy przychodzą ozdobić dom po jego wybudowaniu. Ale to nie może być dalsze od prawdy. Kiedy myślisz o **The Twits**, prawdopodobnie wyobrażasz sobie dzikie, poszarpane rysunki Blake'a. Wyobrazić sobie **Funnybones** to zobaczyć zwodniczo proste obrazki Janet Ahlberg, zanim jeszcze słowa Allana Ahlberga. Wejdź na którykolwiek ze szlaków Gruffalo w lasach Forestry England, a to projekty Axela Schefflera – a nie tekst Julii Donaldson – wyskakują na ciebie spośród drzew.
„Jesteśmy trochę w cieniu” – mówi Scheffler. „Nasze książki nazywane są książkami obrazkowymi, więc jesteśmy ważną częścią procesu. To bardzo niedoceniana forma sztuki, autor i ilustrator tworzący coś razem. Trudno to rozdzielić”.
„Najkrótszy czas, jaki kiedykolwiek spędziłem na pisaniu książki obrazkowej, to godzina, wpisując ją do telefonu w samolocie” – mówi autor-ilustrator Sarah McIntyre. „Ale ich ilustrowanie zawsze zajmuje co najmniej trzy lub cztery miesiące intensywnej pracy – dziewięć lub więcej godzin dziennie, sześć dni w tygodniu”.
Zobacz obraz w pełnym rozmiarze
Oi Frog! autorstwa Kesa Graya. Ilustracja: Jim Field 2014
McIntyre zrobiła więcej niż większość, aby podkreślić, jak bardzo ilustratorzy są pomijani. Dziesięć lat temu uruchomiła kampanię Pictures Mean Business, aby naciskać na to, by ilustratorzy otrzymywali odpowiednie uznanie za swoją pracę. Robiąc to, pomogła wyjaśnić nieporozumienie dotyczące tego, czym naprawdę jest książka obrazkowa.
Ponieważ sam je pisałem, wiem, jak bardzo są specyficzne. Prawie zawsze mające 32 strony i prawie zawsze czytane dziecku przez opiekuna, zanim dziecko będzie mogło czytać samodzielnie, większość książek obrazkowych istnieje w dokładnym punkcie, w którym spotykają się tekst i ilustracja. Usuń którąkolwiek część, a całość się rozpada.
„Myślę, że ilustrowanie historii jest jednym z najbardziej podstawowych ludzkich instynktów” – mówi Huw Aaron, którego książka **Sleep Tight, Disgusting Blob** zdobyła w tym roku nagrodę Waterstones dla książki dziecięcej. „Nie wiemy, czy ludzie tańczyli czy śpiewali 40 000 lat temu, ale wiemy, że tworzyli komiksy o ludziach goniących krowy, ponieważ są one wszędzie na ścianach jaskiń”.
Rzeczy, które ilustrator może zrobić z tekstem, są tak różnorodne, jak i wspaniałe. Jim Field, ilustrator **Oi Frog!** Kesa Graya i **The Lion Inside** Rachel Bright, postrzega ilustrację jako dodatkową warstwę. „Nie staram się robić dokładnie tego, co słowa mówią” – mówi. „Staram się wpleść dodatkowe wątki poboczne lub pozwolić czytelnikowi dowiedzieć się więcej o postaci”.
Matty Long, twórca **Super Happy Magic Forest** – serii, która przeszła od książek obrazkowych do książek z rozdziałami, a następnie do telewizji – ujmuje to jeszcze bardziej dosadnie. „Jeśli słowa tylko opisują obrazek, to po co w ogóle mieć słowa?” – mówi. „Chcę, aby obrazy robiły większość opowiadania historii”.
[Obraz: I Want My Hat Back autorstwa Jona Klassen. Ilustracja: Walker Publishers / Jon Klassen]
Ale czasami ilustrator może pójść jeszcze dalej. W **I Want My Hat Back** Jon Klassen dokonuje magicznej sztuczki opowiadania dwóch różnych historii jednocześnie. Czytana bez obrazków książka jest po prostu o niedźwiedziu bezskutecznie pytającym o swój zagubiony kapelusz. Ale ilustracje dodają kontekstu, który nieco temu przeczy. Niedźwiedź, tak uprzejmy w tekście, w rzeczywistości kieruje się morderczą zemstą.
„Wydaje się, że właśnie tam powinna mieszkać prawda o tej rzeczy” – mówi Klassen o napięciu między słowami a obrazkami. „Zwykle kończę na umieszczeniu półprawdy w słowach lub pomijaniu wielu rzeczy. Myślę, że działa to dobrze z dziećmi, ponieważ gdy tekst jest wyraźnie błędny, widzą, że obrazki mówią prawdę”.
Na długo zanim dziecko będzie w stanie rozszyfrować pisane słowa, już wiele nauczyło się o świecie poprzez obrazy. „Widziałem, jak Quentin Blake mówił o umiejętności czytania obrazów i genialnie to zilustrował” – wyjaśnia Ed Vere, twórca **Waffles & Julius** i ilustrator, który przez lata pracował z nauczycielami w ramach swojego programu Power of Pictures. „Zapytał dzieci, co oznacza 'oburzony'. Oczywiście nikt nie wiedział. Potem szybko narysował oburzoną starszą panią i każde dziecko dokładnie zrozumiało. To nie było tylko 'zły' ani żadna z tych czarno-białych emocji. Wszyscy wyłapali niuanse z jego rysunku”.
Dla Sophy Henn, twórczyni serii **Happy Hills**, to dlatego pomysł, że książki obrazkowe są tylko kamieniem milowym do „prawdziwych” książek, jest tak błędny. Dzięki otrzymywaniu dwóch strumieni informacji, jak mówi, „uczysz się świadomości emocjonalnej, uczysz się empatii, uczysz się krytycznego myślenia. W dzisiejszym świecie jest to niezwykle ważne. Chciałabym, aby więcej ludzi wiedziało, że książki obrazkowe są w rzeczywistości bardziej złożoną formą czytania”.
[Obraz: Sleep Tight, Disgusting Blob autorstwa Huwa Aarona. Ilustracja: Huw Aaron]
„Dzieci mają najbardziej wyrafinowane umysły” – mówi Lauren Child, twórczyni **Charliego i Loli**. „Mogą być małe, ale naprawdę są wielkimi myślicielami. Są tak wizualnie bystre w sposób, w jaki dorośli nie są. Używamy wskazówek wizualnych i estetyki przez całe życie, ale tracimy tę przewagę, którą mieliśmy, gdy przybyliśmy na świat”.
Książka obrazkowa może być pierwszym razem, kiedy dziecko może zidentyfikować i nazwać wielką emocję, którą odczuwa. Książka Nadii Shireen **Barbara Throws a Wobbler** używa jasnych, kolorowych obrazów, aby pokazać uczucia wykraczające poza słowo pisane. „Jest część w książce, w której Barbara faktycznie rozmawia z Wobblerem i robi się bardzo metafizycznie” – mówi. „Musiałam zapytać moją redaktorkę: 'Czy to szalone? Czy oczekujemy, że trzylatki wyruszą w psychologiczną podróż?'”
Czasami ilustracja może nawet zamienić książkę w narzędzie do opowiadania historii, pozwalając dzieciom stać się współautorami. W **Splat!** Jona Burgermana, na przykład, czytelnicy mogą razić głównego bohatera w twarz nowymi i obrzydliwymi przedmiotami na każdej stronie. „Chciałem zrobić książkę, która mogłaby być tylko książką” – mówi Burgerman. „Naprawdę celebrowałem formę książki obrazkowej i chciałem zrobić coś, czego nie można zrobić w żaden inny sposób”.
Tymczasem **Is This a Plum?** Dana Ojari i jego syna Finna sprytnie wykorzystuje wycięcia, aby ukryć obiekty na widoku. „Ktoś wysłał mi wideo swojego dziecka, które jeszcze nie umie czytać, a ono opowiada historię swoim rodzicom, ponieważ słowa są tak proste” – mówi Ojari. „Ma to uczucie: 'Wiem więcej niż mój rodzic i zamierzam go oszukać'”.
Jeśli to wszystko sprawia, że ilustracja książek obrazkowych brzmi imponująco, sam proces często zaczyna się w najmniej imponujący możliwy sposób: od bazgroła. „Rysunek musi być pierwszy” – mówi Long, trzymając wczesny szkic postaci z Super Happy Magic Forest, który nawet na wczesnym etapie wciąż oddaje wszystkie kluczowe cechy osobowości postaci. „Muszę przekonać samego siebie, że jest pomysł wart realizacji i robię to poprzez rysunek”.
„Narysowałem pierwszy obrazek Hiccupa 30 lat temu. Doprowadziło to do 12 książek, serii filmów i parku rozrywki. Tylko mały ołówek!” – mówi Cressida Cowell o Jak wytresować smoka.
Sue Hendra robi to samo, pokazując mi swój pierwszy szkic postaci Supertato, którą stworzyła z Paulem Linnetem i przekształciła w mini imperium 15 książek i licząc. Jej szkic przedstawia ziemniaka lecącego nad miastem. Niepewni, czy pisać książkę o tym, co wygląda jak apokaliptycznie duży ziemniak, szkic nauczył ich, że muszą przemyśleć świat Supertato. „Paul zasugerował supermarket, ponieważ jest to miniaturowe miasto z produktami z całego świata. Stworzyło to uroczą granicę, która wydawała się bardzo bezpieczna i pewna”.
„Gdybym miał mój notatnik, pokazałbym ci pierwszy obrazek Hiccupa, który narysowałem 30 lat temu” – mówi Cressida Cowell, autorka i ilustratorka serii Jak wytresować smoka. „To był ten mały wiking próbujący dorównać swojemu ojcu. To było pierwsze ziarno czegoś, co rozrosło się w 12 książek, serię filmów i park rozrywki. Tylko mały rysunek ołówkiem!”
Postacie są również wszystkim dla Jamiego Smarta, którego książki z serii Bunny vs Monkey są w sercu obecnego boomu na komiksy w wydawnictwach. Ich atrakcyjność jest ogromna, a wiele z niej wynika z tego, jak łatwo jest odtworzyć postacie. „Kiedy prowadzę warsztaty dla dzieci, zawsze zaczynam od samego początku. Mówię: 'Narysuj kwadrat i narysuj koło, a teraz możesz narysować prawie każdą postać z Bunny vs Monkey'” – mówi. „Dla dziecka opowiadanie historii może być dość onieśmielające, ponieważ musisz znać wszystkie słowa, których będziesz potrzebować. Ale jeśli możesz opowiedzieć historię za pomocą kilku linii i uśmiechniętej buźki, co za dar”.
Nikt nie wie o tym lepiej niż Rob Biddulph, którego filmy Draw With Rob – uczące dzieci krok po kroku kopiowania jego prac – uczyniły go narodowym skarbem podczas lockdownu. „Myślę, że to rzecz, z której jestem najbardziej dumny w mojej karierze” – mówi. „Jasne, to było na ekranie, ale możesz użyć tego ekranu, aby zrobić coś praktycznego i fizycznego. Dzieci oglądały mnie na YouTube, ale faktycznie robiły coś na kartce papieru, co mogły potem przykleić na lodówkę”.
Jeśli książki obrazkowe wiele wymagają od dzieci, często wymagają również niezwykłego aktu zaufania od dorosłych, którzy je tworzą. „Myślę, że autor i ilustrator muszą dzielić podobne poczucie rzeczy – poczucie humoru, poczucie dramatu” – mówi Blake. „Ale lepiej, jeśli ich poglądy nie są dokładnie takie same; jeden musi uzupełniać drugiego”.
Zobacz obraz w pełnym rozmiarze: Funnybones autorstwa Allana Ahlberga. Ilustracja: Penguin Random House
Ilustrując czyjąś pracę, pierwszą rzeczą, jaką robi Blake, jest dokładne przestudiowanie rękopisu. „Przede wszystkim muszę poznać postacie tak dobrze, jak to możliwe i wyobrazić sobie, jak wyglądają” – mówi. „Potem chodzi o znalezienie odpowiednich momentów, które przyciągną czytelnika, ale nie zdradzą tego, co zaplanował pisarz. Na przykład jest dramatyczny moment w Matildzie Roalda Dahla, w którym okropna panna Trunchbull uderza Bruce'a Bogtrottera talerzem w głowę. Pokazałem ją unoszącą talerz nad biednym chłopcem, pozostawiając dramatyczny moment samemu Roaldowi do dokończenia. To sama w sobie umiejętność”.
Maxwell Oginni zilustrował **My Rice Is Best**, która ukazała się w zeszłym roku i otrzymała kilka nominacji do nagród. Ale pochodzi ze środowiska animacji, gdzie każdy... Nie mogę mówić za innych autorów, ale pierwszy raz, kiedy otrzymuję grafikę od moich ilustratorów – Nicoli Slater do książek obrazkowych, Vincenta Batignole'a do książek z rozdziałami – często jest wtedy, gdy historia zaczyna wydawać się bardziej prawdziwą książką. Oboje uwielbiają dodawać szczegóły w tle, takie jak witryny sklepowe, odniesienia i niezainteresowane postacie w tle, co nadaje historiom bogactwa, którego by inaczej nie miały. I wciąż mnie zaskakują. „Uwielbiam dodawać odniesienia do moich ulubionych filmów, gier wideo lub mangi” – mówi Batignole. „Poza tym myślę, że w każdej książce, nad którą kiedykolwiek pracowałem, jest co najmniej jedno odniesienie do Spice Girls”. Szczerze mówiąc, to dla mnie nowość.
„Nikomu tego nie mówię, ale tworzę historię tła dla każdej postaci” – zdradza Slater. „Może to w ogóle nie wpływać na historię, ale pomaga ustalić scenę i ich motywacje oraz kształtuje to, jak potoczy się książka”.
„Najlepsi pisarze dla dzieci wiedzą, że mogą wiele zostawić ilustratorowi” – wyjaśnia Nick Sharratt, który ilustrował książki dla Jacqueline Wilson, Michaela Rosena i Julii Donaldson. „Czasami trzeba pozwolić obrazkom wykonać swoją pracę”.
Znacznie bardziej ryzykowną relacją autor-ilustrator jest ta między Lydią Corry a Sally Gardner. To dlatego, że Gardner jest mamą Corry. Mimo że współpracowały przy uroczej serii Tindims, nie zawsze tak było. „Kiedy byłam znacznie młodsza, zilustrowałam mały obrazek na okładce jej książki **I, Coriander** i naprawdę go nie lubiła” – mówi Corry. „Teraz ma ten obraz w swoim domu, ale była tak przywiązana do historii, a wizualny pomysł był cały w jej głowie. Więc denerwujesz się, czy to jest to, czego chce autor”.
Jednym ze sposobów na złagodzenie tych nerwów jest robienie wszystkiego samemu. Jest wielu autorów, którzy ilustrują własne prace, co daje im poziom kontroli nad gotowym produktem, jakiego reszta z nas nigdy nie będzie miała.
Najbardziej znany ze swojej serii Bunny vs. Monkey, Jamie Smart uwielbia to, że to podejście pozostawia mniej miejsca na błędną interpretację przez czytelników, zwłaszcza podczas tworzenia komiksu. „Dosłownie mówię: 'Oto ta postać, oto ten żart, oto ta część historii' i wszystko jest rozłożone, abyś mógł zobaczyć” – mówi.
Ale nawet autorzy-ilustratorzy mają ograniczenia w swojej kontroli. „Kiedy publikujesz książkę, całkowicie ją oddajesz” – mówi Debi Gliori, twórczyni klasyków takich jak **No Matter What**. „Nie możesz stać za ludźmi i mówić: 'Myślę, że powinieneś zwolnić' lub 'Myślę, że powinieneś przeczytać tę część piskliwym głosem'”. Chociaż ilustracje mogą być używane do prawie wszystkiego, prawie każdy, z kim rozmawiam, prędzej czy później wraca do tej samej kluczowej cechy: radości. „Jestem bardzo poważny w kwestii bycia głupim” – mówi Hendra poważnie. „Humor jest tak niedoceniany, zwłaszcza dla dzieci. Ale jeśli dasz dziecku miłość do bycia głupim, to jest jak umiejętność przetrwania”. I ten motyw przewija się przez wielu ilustratorów, z którymi rozmawiałem. Sarah Horne, która ilustrowała książki dla Sama Copelanda i Gianny Pollero, postrzega swoją pracę jako „wnoszenie odrobiny głupoty i radości do książek”, podczas gdy dzika energia Smarta sprawia, że chce „rozciągnąć wszystkie postacie i wypchnąć je poza panele”. McIntyre mówi, że jednym z najczęściej omawianych szczegółów w jej książkach Adventuremice jest... obrazek postaci siedzącej na toalecie, z malutką kupą unoszącą się w kosmos. To naprawdę nie potrzebuje słów.
Dla niektórych jest to szansa na ponowne połączenie się ze wspomnieniami czytania bajek na dobranoc swoim dzieciom.
Ale nawet głupota wymaga umiejętności. Kiedy Sue Hendra kończy książkę, czyta ją w kółko z różnych perspektyw – dziecka, nauczyciela, zmęczonego rodzica – aby upewnić się, że rytm działa. Lauren Child poprawia swoje książki aż do samego terminu. „Właśnie skończyłam książkę obrazkową i wciąż wycinaliśmy słowa do ostatniej chwili” – mówi.
Rob Biddulph robi to samo, usuwając wszelkie słowa, które obrazki mogą pokazać wyraźniej. „Piszę historię jako wiersz, więc kuszące jest umieszczenie wszystkiego, co się dzieje, w wersecie” – mówi. „Ale ilustracja może dokładnie oddać sedno. Obrazy malują tysiąc słów, jak to mówią”.
Otwarcie Centrum Quentina Blake'a pokazuje, jak daleko zaszliśmy w uznawaniu naszej niesamowitej historii ilustracji i ogromnego talentu, który wyprodukowaliśmy. Ale wciąż są postępy do zrobienia. „Czy wiesz, że w przeciwieństwie do pisarzy, ilustratorzy wciąż nie mają łatwego dostępu do danych sprzedażowych?” – pyta McIntyre. „Podczas gdy Julia Donaldson jest sprawdzoną bestsellerową autorką, Axel Scheffler nie ma żadnych liczb dotyczących ich wspólnych książek. Nie nosi ze sobą tych danych sprzedażowych. Ma to duży wpływ na to, jak postrzegani są ilustratorzy”.
Jedną z rzeczy, która pojawiała się wielokrotnie w tych wywiadach, było to, jak wielkim przywilejem jest tworzenie książek dla dzieci. Dla niektórych ilustratorów jest to szansa na powrót do wspomnień z czytania bajek na dobranoc własnym dzieciom. Dla innych jest to radość z oglądania książki zużytej od częstego czytania. Niektórzy postrzegają ilustrację jako intelektualne wyzwanie, inni jako sposób na zrozumienie świata. Ale wszyscy zgodzili się co do jednego: nigdy nie lekceważ dzieci.
Ostatnie pytanie, jakie zadaję Blake'owi, brzmi: dlaczego postacie stworzone dla dzieci mogą pozostać w pamięci publiczności przez dziesięciolecia. „Czujemy, że możemy się z nimi utożsamić” – odpowiada. „W pewnym sensie stają się naszymi przyjaciółmi”. Centrum Ilustracji im. Quentina Blake'a otwiera się 5 czerwca. qbcentre.org.uk
**Często Zadawane Pytania**
Oto lista często zadawanych pytań na temat Jestem bardzo poważny w kwestii bycia głupim Ilustratorzy dziecięcy mówią o sztuce opowiadania historii napisana naturalnym konwersacyjnym tonem z jasnymi prostymi odpowiedziami
Pytania dla Początkujących
1 Co właściwie oznacza jestem bardzo poważny w kwestii bycia głupim
Oznacza to, że tworzenie zabawnych, figlarnych lub absurdalnych dzieł sztuki dla dzieci nie jest żartem. Wymaga ciężkiej pracy, umiejętności i starannego przemyślenia, aby stworzyć coś, co wydaje się lekkie i zabawne.
2 Dla kogo jest ta książka lub temat
Jest dla każdego, kto kocha książki dla dzieci – rodziców, nauczycieli, początkujących ilustratorów, pisarzy lub każdego, kto jest ciekawy, jak powstają książki obrazkowe.
3 Czy to jest książka o technikach rysowania
Nie do końca. Chodzi bardziej o myślenie stojące za rysunkami – jak ilustratorzy używają głupoty, aby opowiedzieć historię, połączyć się z dziećmi i rozwiązywać kreatywne problemy.
4 Dlaczego ilustratorzy dziecięcy muszą być poważni w kwestii bycia głupim
Ponieważ sprawienie, by głupi moment był wiarygodny i zabawny, wymaga starannego wyczucia czasu, projektowania postaci i zrozumienia, co dzieci naprawdę uważają za zabawne – a nie tylko przypadkowej głupoty.
5 O jakich historiach opowiadają ci ilustratorzy
Dzielą się zakulisowymi historiami o tym, jak stworzyli postacie, wybrali kolory i dodali zabawne szczegóły, które rozśmieszają dzieci i sprawiają, że przewracają strony.
Pytania dla Średnio Zaawansowanych
6 Jak ilustratorzy równoważą głupotę z znaczącą historią
Używają głupoty jako narzędzia, a nie rozpraszacza. Zabawna postać lub scena może sprawić, że poważne przesłanie będzie łatwiejsze do zrozumienia i zapamiętania dla dzieci.
7 Jakie są częste błędy początkujących ilustratorów, gdy próbują być głupi
Zbytnie staranie się, aby być zabawnym. Wymuszona głupota wydaje się fałszywa. Najlepsze głupie momenty wynikają naturalnie z osobowości postaci lub sytuacji.
8 Czy możesz podać przykład poważnie głupiego triku ilustracyjnego
Tak – użycie wyrazu twarzy postaci, który nie pasuje do sytuacji, na przykład pies wyglądający bardzo poważnie w śmiesznym kapeluszu. Ten kontrast tworzy humor.
9 Skąd ilustratorzy wiedzą, że głupi pomysł faktycznie zadziała
Testują go na prawdziwych dzieciach. Obserwują autentyczne chichoty, zdezorientowane spojrzenia lub czy dziecko prosi o ponowne obejrzenie strony. To
